Алина Гуткина - Aroundart.org

Не допускайте орнаментальности

Tue, 03 Mar 2015 14:34:23 +0000

Художник Алина Гуткина продолжает свою колонку. В сегодняшнем выпуске – о возможностях художника и балансе между спонтанностью и последовательностью.

Запись Не допускайте орнаментальности впервые появилась Aroundart.org.

]]>

Два шага назад

Fri, 26 Dec 2014 12:07:49 +0000

Алина Гуткина в продолжении своей колонки размышляет о месте зрителя, соучастника и автора внутри произведения.

Запись Два шага назад впервые появилась Aroundart.org.

]]>

Если ты видишь это так, как есть для тех, кто показывает, ты допущен

Mon, 23 Dec 2013 08:06:12 +0000

Алина Гуткина в своей колонке рассказывает о «практике внедрения» в современном искусстве и собственном опыте.

Запись Если ты видишь это так, как есть для тех, кто показывает, ты допущен впервые появилась Aroundart.org.

]]>

Машина по производству высказывания

Wed, 27 Nov 2013 08:45:47 +0000

Художник Алина Гуткина продолжает свою колонку — в этот раз о механизме художественного восприятия, ловушках привычки и методах выхода за пределы повседневно видимого. В качестве иллюстрации использованы фотографии Джус Вандебрук. Движение разворачивается в словах. Событие конструируется нашим мыслепотоком, зацепившись за который, мы выстраиваем реальность согласно внутренним концепциям. Ум создает нас, воспринимающих те или иные вещи полуосознанно. Внимание создает эту реальность художника. Если бы мой ум фиксировал абсолютно все элементы реальности и бережно складывал всю информацию в голову, то скорее всего жесткий диск испытывал невероятное давление и к концу каждого дня требовал бы очистки путем уничтожения, самовозгорания например. Это не происходит именно за счет того, что я не запоминаю каждое лицо проходящего мимо, каждую брошенную на асфальт сигарету, геометрию света, падающего на дома, номера машин и бесконечные детали пространства. Почему в таком случае все же происходит фиксация и необходима ли она художнику? Сознательный выбор придавать значение тем или иным вещам и есть продуцирование высказывания. Процесс создания заключен именно в этом распределении внимания. Затем следует вычленение и построение концепции, которая становится художественной стратегией. Вопрос актуальности, на мой взгляд, всегда связан с личной мотивацией. Автор сам определяет эту самую актуальность, прежде всего для себя. Если художник реагирует на события, то он, как минимум, опаздывает. Его задача — эти события создавать в рамках собственных проектов. Опасность часто заключена в невозможности демонстрации наработанного в нужный момент. И это обычно совсем не зависит от автора и даже его настойчивости. Сам художник так или иначе сталкивается с разрывом двух моментов — актуализации себя проектом и актуализации его уже зрителем. Однажды найдя свое поле, художник сужает поиск и тем самым остается в зоне комфорта. Это применимо к повседневности точно также. Мы определили себя в какой-то момент жизни настолько, что уже не осознаем программирования. Автор становится машиной со своей четкой идентификацией и стопроцентной предсказуемостью. Теперь расчет идет через те предложения реальности, которые она выдает «по твоему вопросу». Поиск теперь ограничен обозначенной зоной этого самого поиска. Это художественная стратегия. Это ловушка или есть что-то еще ? «Те, кто скучают от общения с другими, — это плебс, это толпа, это неистребимый человеческий род. А те, кто наскучили самим себе, принадлежат к избранному кругу, к клану благородных», — С. Кьеркегор. Спонтанность. Она дает потоку проходить сквозь, не фиксируясь. Она не позволит стать «машиной» по производству «своего» высказывания. То, что есть, всегда совершенно. Она уничтожит всю машинальность, предсказуемость и очевидность идентификации. Полное разоблачение. В этом мироощущении совсем невозможно оставаться «автором». Так ли это? Внутренние побуждения, согласно которым действует человек в спонтанности, имеют природу более глубокую, нежели человеческий расчет. Расчет так или иначе связан с целеполаганием. Он присутствует в ментальном смысле. Им одним не обойтись и тем более не найти «полную свободу». Она рождается в тишине собственных концепций или просто укладывается где-то позади них. Даже в конкретном высказывании и в формальном «проекте» она сохраняется. Хотя бы потому, что художник не стоит рядом со своим произведением все время. Он где-то уже не здесь. Стать такого рода бродягой — неплохая альтернатива математически просчитанному пути трудолюбия и силы воли. Машинальность необходима, но только если она осознается таковой. Она в конце концов обеспечивает производительность и «историю».

Запись Машина по производству высказывания впервые появилась Aroundart.org.

]]>

«Ста процентов никогда не будет»

Tue, 19 Nov 2013 15:47:36 +0000

Беседа художников Алины Гуткиной и Кирилла Савченкова о субкультуре, категории повседневного опыта в художественной практике и положении современного художника

Запись «Ста процентов никогда не будет» впервые появилась Aroundart.org.

]]>

Художники не любят журналистов

Fri, 02 Mar 2012 18:32:35 +0000

Это эссе я бы адресовала первым. Взаимодействие художника с журналистами необходимо. Любое освещение в медиа — часть проекта, а точнее продолжение его жизни. Ни одно открытие не обходится без прессы. Человек, пишущий об искусстве, сам максимально заинтересован в создании материалов об актуальных событиях. Я очень редко встречаю художников, довольных работой журналистов. Если это телевидение, то обязательно вырезают самое важное, оставляя информацию, ориентированную на зрителей «не в теме». Если это печатные издания, зарекомендовавшие себя как профессионально ориентированные на искусство, то художник все же надеется узнать о самом себе что-то новое. Безусловно, всякую критику он переживает близко к сердцу. Но если автор проекта в своем детище более чем уверен, то, скорее всего, какой угодно анализ (отрицательный или положительный) будет воспринят адекватно. Но все это всегда мучительно осознается. В любом случае, грамотных журналистов уважают, и все слова обычно принимают во внимание на будущее. Есть почти неприкасаемые журналисты, которых слушать надо и любое их мнение, уж простите, голая правда. Что происходит с порталом Aroundart в таких ситуациях? Портал независимый, функционирующий, можно сказать, на добровольных началах. Журналистами в полном смысле слова авторов назвать сложно. Все чаще я слышу упреки в том, что пишут здесь девочки со специальностью «история искусств». Никто и звать их никак. Все делается непрофессионально и кое-как. Критику на этом портале видеть не хотят, считают ее поверхностной и неинтересной. Изначально, когда я писала тексты о разных проектах, я совершенно не претендовала даже на профессию Журналиста. Мало кто из недовольных моими материалами вообще осознавал, что пишет художник. А это другое дело. Не то, чтобы на художника суда нет, но это всегда специфические моменты. Дальше, начав делать интервью, я вообще открыла для себя многое. Дотошность некоторых «опрашиваемых», которые проверяли свои же ответы множество раз перед публикацией. И это несмотря на письменные интервью. То есть понятное дело проверять свои изречения, когда ты наговаривал на диктофон. Устные интервью это всегда настрой. Сегодня он такой, завтра иной. Но письменные ответы?.. Когда лично я просила на проверку материалы обо мне после устной беседы, главным интересом было отслеживание собственного настроения и его уместности. Любопытство, не более. Почти всегда без исправлений я одобряла материал, стараясь максимально сохранить живость и «реальность здесь и сейчас» интервью. Одно я знаю точно. Журналисту больше интересны те подробности, которые художник старается скрыть под большими концепциями и сухими идеями. Такова профессия. Он вписывается в твой круг общения, незаметно собирая факты, увиденные поверхностным взглядом. Переход границы означает полное поражение художника. Никакие этические принципы не сработают. Если ты сомневался и говорил, если ты жаловался и ныл, если ты ругал и обвинял, то как такую наживку не съесть журналисту. Да никак. Это ему и надо. Правда, у художника появляется мощнейшее оправдание или даже алиби, что подобные сплетни лишь показатель испорченности, непрофессионализма самого журналиста. Может стоит быть осторожнее? Недавно заработавший молодежный портал W_O_S вообще кажется сразу снял с себя всякую ответственность просто своей концепцией — субъективно и непрофессионально. Мне кажется, это очевидная тенденция. В профессиональные навыки записывать полную непрофессиональность. Беспроигрышный ход. Свобода. Aroundart имеет такую же точно опцию. Если не нравится материал — пиши свой ответ. Читатель только возрадуется. Не правда ли? К тому же, я совершенно уверена, что вертикальные схемы больше не работают. Горизонтальность — за ней будущее. И пожалуй коллажи в качестве визуального материала как ни странно настраивают на это. Алина Гуткина

Запись Художники не любят журналистов впервые появилась Aroundart.org.

]]>

I f j u s t f o r f u n

Wed, 22 Feb 2012 21:19:21 +0000

Недавно мне предложили поучаствовать в проекте бельгийского художника, который создал систему на подобие «письма счастья». Речь идет о дополнении его рисунка людьми, к которым рисунок попал. Он выбрал десять участников, которые в свою очередь, дополняя его картинку, рассылают свой вариант следующим десяти людям и так далее. Проект бесконечен. Мне всегда нравились проекты, которые запускаются и продолжают жить своей жизнью уже без автора. Чаще всего художник создает работу, которая фактически существует естественным образом, но больше «не работает». Процесс создания, публичное представление, реакция, запись в историю — фактический ряд «существования» проекта. В случае «письма счастья» запускается механизм, который, благодаря воле и решению конкретных людей продолжать его, воспроизводит идею без видимого завершения. Каких-либо результатов художник не ждет, для него главное — процесс, при чем совершенно не контролируемый и даже не отслеживаемый. Несомненно, автора больше не существует, границы размываются. Когда художнику предлагают внести свою лепту в «чужой» проект, он мучительно думает. Даже если это всего лишь «f o r f u n». Почему? Художник серьезен. Он всегда должен отдавать отчет в своих действиях, как будто он несет ответственность перед зрителями, которых нет, перед историей, которой тоже нет, перед собой, образ которого он потихоньку выстраивает. Совершенно очевидно, что художнику необходимо задумываться о том, в чем участвовать, а от чего отказываться. Это касается скорее групповых проектов — тех, которые записываются в CV. Но что же происходит с проектами, которые, возможно, пройдут незамеченными? Первая причина отказа — нежелание вписываться в неясную инициативу и тратить свои творческие ресурсы. Вторая возможная причина — лень (кстати, мощный двигатель внутреннего потенциала художника). Наконец, страшная занятость, которая, честно говоря, довольна комична, если учитывать, что в конкретном примере с письмом счастья — дело на 5 минут. Прошу заметить, редкий художник поверхностно отнесется к любому своему действию. Дело на 5 минут для обывателя может быть для художника сложным «хитро выдуманным» ходом, требующим гораздо большего времени. Все просчитывают свои действия, берут в расчет затратность, результат и необходимость. У художника есть, помимо прочего, учет невидимых показателей среды, как будто любое действие отслеживается неосязаемой общественностью. Вот он уже видит историю искусств, в которой, словно на камне, выбито его имя, в нее записан каждый жест, каждое движение. Все важно. На мой взгляд, именно так строится мифология. Создание образа себя — непростая вещь. Границы, в которые мы намеренно, а местами неосознанно вписываемся. Это подобно структуризации. Так художник уберегает себя от рассеивания. Если для масскультуры это окей, может даже плюс — как можно глобальнее размножить свои образы, включить в головы, в человеческие программы, распространиться повсеместно. Для художника — n o w a y. Четкая стержневая основа, максимальная продуманность высказывания, сосредоточенность и собранность. Даже самая развязная позиция, скажем, провокация, крайне последовательна и, в результате, записывается как четкая линия, которой следовал художник. Все всплывает. Допустим, я соглашаюсь на участие в проекте с «письмом счастья», я не смогу элементарно дорисовать картинку, не подумав, кто я во всем этом. Осознанность, граничащая со скрупулезной вовлеченностью, просчитывание любого своего акта на дни вперед каждый раз рождает художника заново. Очередное рождение после очередной смерти. Это необходимо, как перелетным птицам надо лететь на юг. Это природа. Слишком рано ушедший художник Дэш Сноу сопровождает мои рассуждения. Алина Гуткина

Запись I f j u s t f o r f u n впервые появилась Aroundart.org.

]]>

Кто говорит

Fri, 17 Feb 2012 11:42:54 +0000

Мне нравится читать вырванные цитаты. Увлекательно даже примерять на себя концепции, особенно оторванные от реальности говорящего. В этом эссе я решила избавить вас от потока собственных изречений и сделала выборку цитат художников и не только. Такие тексты могут длиться бесконечно, потому что говорили все и много. Оригинальность моей выборки состоит в том, что я предлагаю читателю самому выяснить, кто говорит, приведя список авторов ниже цитат. Время берет на себя труд заканчивать мои произведения. Если мы бросим взгляд на окружающую нас обстановку, будь это пейзаж или интерьер, мы заметим, что между вещами, представляющимися нашему взору, существует своеобразная связь, созданная окутывающей их атмосферой и разнообразными отражениями света, которые, так сказать, вовлекают каждый предмет в некую общую гармонию. Когда пытаешься добросовестно следовать за великими мастерами, видишь, что в определенные моменты все они глубоко погружаются в действительность. Я хочу сказать, что так называемые творения великих мастеров можно увидеть в самой действительности, если смотреть на нее теми же глазами и с теми же чувствами, что они… Действительность – вот извечная основа подлинной поэзии, которую можно найти, если искать упорно и вскапывать почву достаточно глубоко. Ничто так не путает понятий об искусстве, как признание авторитетов. Искусство требует знаний. Художник всегда одинок – если это художник. Несчастье художника в том, что он живет и не совсем в монастыре, и не совсем в миру – причем его мучают соблазны и той и другой жизни. Иногда что-то кажется красивым просто потому, что немного отличается от окружающих предметов. Я не верю в искусство. Я верю в художников. В мире нет и дюжины сотен людей, понимающих живопись. Остальные притворяются или им наплевать. Государство – это монстр, с которым надо бороться. Я считаю своей миссией – разрушение этого монстра. Где я – там и академия. Искусство может быть каким угодно. Но я пришел к выводу, что хочу своим собственным искусством влиять на людей так, чтобы они были счастливы. Люди не помнят. Месть сладка. У меня нет друзей, которые не были бы геями. Искусство должно двигаться вас, а дизайн не должен, если это не хороший дизайн для автобусов. Это очень хороший совет верить только то, что делает художник, а не в то, что он говорит о своей работе. Я не слушаю, что говорят искусствоведы. Я не знаю никого, кто нуждается в критике, чтобы узнать, что такое искусство. Я хотел быть звездой а не талисманом галереи. Я всегда чувствую где искусство и вижу это, так что остается не так много работы. Я думаю суицид это самое прекрасное, что ты можешь сделать в жизни. Я стараюсь быть правдивым художником. Я стараюсь показать уровень смелости. Я наслаждаюсь этим. Я посланник. Я где-то между инсталляцией видео и фотографией. И когда ты работаешь с обнаженными телами, тебя сразу называют порнографом или фэшн-фотографом. Действие это основной ключ к успеху. В перформансе это монолог, в котором ты создаешь много пространств, много изображений, следующих одна за другой. Телевидение это репетиция времени, когда людям больше не нужны будут тела. Смотри на предмет так, как никогда прежде не смотрел. Изучай его со всех сторон. Нарисуй его границы глазами или в воздухе руками и наполни себя им. Многие из углов на самом деле о попытке мимикрировать в границы спортивной трансляции, чтобы закрепить сцену, чтобы отсортировать и нормализовать ее прежде чем она рассеется. Я не навязчивая, но я строгая. Мне не надоест. Я думаю, что у меня есть возможность, потому что я верю в строительство идей. Если есть хорошая идея, то это захватывающе. Мне интересно, как это будет выглядеть на стене. Свою жизнь я провел на большой волне людей, прямо передо мной. Я всегда попадал под влияния многих художников, но я понял, что больше не хочу делать «их» работы. Мы не хотим знать, что мы делаем. Гораздо лучше не знать. Вы должны выразить себя, как только вы закончите один ряд работ, вам придется начинать все заново. Удивительная вещь то, что художник должен делать. Вы заканчиваете большую группу работ, но на следующий день вы должны начать снова. Сорок лет мы делали это. Люди знают, что подделка, а что нет. Список авторов: Мартин Крид, Тони Крегг, Гилберт и Джордж, Софи Калле, Мэтью Барни, Джон Балдессари, Марина Абрамович, Вито Аккончи, Спенсер Туник, Джефф Кунс, Дэмиан Херст, Жан-Мишель Баския, Дэвид Хокни, Трэйси Эмин, Теренс Кох, Йозеф Бойс, Редьяр Киплинг, Марсель Дюшан, Энди Уорхол, а также Альбер Камю, Генри Миллер, Бертольт Брехт, Лев Толстой, Винсент Ван Гог, Эжен Делакруа, Жан Огюст Доминик Энгр. Попробуй угадать, называется. Визуальным материалом я выбрала выставку фотографов в лондонской галерее Rob Barton. Огромное количество цитат вы сможете найти здесь, в оригинале Алина Гуткина

Запись Кто говорит впервые появилась Aroundart.org.

]]>

Кухня

Mon, 06 Feb 2012 17:16:30 +0000

Очень часто самоидентификация связана с кругом общения. Скажи мне, кто твой друг, и я скажу, кто ты. Все в таком духе. Школьный расклад, если не сказать хуже. Но вступая в художественную среду, ты так или иначе столкнешься с подобным самоопределением. Есть круг одного художника, есть круг определенного куратора, есть мастерские, есть групповые проекты, есть фонды, в конце концов. Гораздо чаще я сталкиваюсь с разбором полетов, с кем и как я общаюсь, нежели с предметным разговором об искусстве. Корпоративные дела очень сильно утомляют, но все же делать каждый месяц персональную выставку не комильфо, а от групповых проектов отказываться было бы странно (даже если вызовет удивление факт попадания в определенный «сектор»). Во время подготовки группового проекта обязательно возникнут «терки» подобного толка. Само участие в определенном проекте — факт легитимации определенного набора. Конечно, если речь идет о кураторском проекте, то тут мы ориентируемся на выбор конкретного человека. Западный куратор выбирает из пятиста портфолио, рифмующихся с его идеями насчет авторов, набирается группа. Оказавшись в составе, художник коммуницирует, резонирует, соглашается, противоречит — в общем, работает. Задача выстраивания экспозиции — задача куратора, организационные процессы — дело рук координаторов. И вот художники как бы объединяются под эгидой сильного проекта, после которого могут совсем даже не здороваться, не то чтобы общаться. Ситуация повседневная. Что же происходит с проектами здесь? Если инициатива исходит от художника, то, скорее всего, можно предположить, кто будет в рядах участников. То же самое с кураторами, которые уже успели очертить свой круг художников. Я не сомневаюсь, что интересный проект автора не из «круга» приближенных всегда может быть включен, но в таком случае обязательно встанет вопрос для самого художника: «хочу ли я включиться в группу?». А кого-то тем временем выписывают из круга. Дальше начинаются проблемы, которые могут иметь теперь бОльший вес нежели вопросы искусства как такового. Такова реальность конкуренции. Хотя мне кажется, что дело все же в «нишах», которые так или иначе занимает активный участник процессов. Будучи на одной фотосессии, я столкнулась со странной ситуацией, когда молодые художники разделились на две четкие группы: выпускники Института проблем современного искусства и Школы им. Родченко. Такое, чисто атмосферное деление выглядело нелепо, что уж говорить о тех участниках фотосессии, которые не учились ни там и ни там, а просто пришли в уже «разделенное» пространство. Конечно, кухня есть кухня. Как-то бессмысленно пытаться понять, откуда ноги растут. Может кто-то из учеников ИПСИ просто не поступил в Родченко, а хотел. Кого это волнует! Всё — теперь ты в клане Бакштейна. И как полагается — в секте Станислава Шурипы. Возможно, молодому художнику проще примкнуть к уже сформированной группировке по интересам, чем зарекомендовать себя в одиночку. Чаще это все можно объяснить стечением обстоятельств. Моя основная мысль заключается в том, что нас, художников, катастрофически мало, но даже при таком раскладе мы умудряемся делиться на ячейки. Мир, труд, май! Выглядишь смешно и глупо, пытаясь примирить кого-то с кем-то. Если для художника формирование круга — необходимое звено в цепи, то why not. Самоорганизующиеся группы, вообще, милое дело — можно «за» что-то, можно, конечно, и «против». Паранойя все чаще встречается у некоторых, когда в Москву едет тот или иной статусный персонаж. Главное, чтобы она не переросла в конспирологию. Здоровая конкуренция — оружие против неуверенности в себе. Вполне логично выстраивать свой круг общения в профессиональном плане, выбирать достойных и адекватных себе коллег, соглашаться на инициативы других сообразно своим взглядам и концепциям. Хотела закончить фразой из мультфильма про Леопольда, но, пожалуй, предложу обратить внимание на визуальный материал к статье. На этот раз в связи с трагикомичной темой материала я выбрала серию Брайна Кенни для последнего номера DEATH MAGAZINE. Алина Гуткина

Запись Кухня впервые появилась Aroundart.org.

]]>

a.k.a

Wed, 25 Jan 2012 16:04:09 +0000

Художник обязательно столкнется с формализацией себя как автора своей собственной реальности. Так или иначе художник будет зафиксирован. Также как это происходит с любым явлением и событием. Оно рефлексируется и концептуализируется. Все находит себе место — сначала здесь и сейчас, между прошлым и будущем, а потом закрепляется в точке времени окончательно. Я бы сказала, что художник прекрасно понимает, что движется к моделированию себя, создаваясь и рождаясь заново. Естественно, любая фиксация и модель это смертельная история для самого художника. Мне хотелось бы остановиться на проблеме формализации художественного жеста. Я обратилась к понятию «формализации». Представим, что художник выстраивает некоторую базу абстракций, идеализаций, символических систем. Чтобы представить какую-либо содержательную область, будь то рассуждения, теории, концепции, необходимо создать формальную систему. Критик не может удовлетвориться интуитивным убеждением. Аргументация любого общественного мнения согласуется логическими правилами, которые усвоены благодаря способности к мышлению. Небольшой запас понятий, включенность в контекст, исследование проблематики — и ты уже выносишь вердикт. Вот он художник: уже залит бетоном, если так можно сказать, или вылит в бронзе. Но реальность художника слишком сложна, чтобы быть полностью формализованной. Художник сопротивляется. Можно взять любой арт-проект и разложить его на составные части, выяснить характер взаимосвязи, уточнить историю автора, методологически прояснить содержание концепции и выявить пока не решенные проблемы, поставив, тем самым, перед автором новые задачи. Глупо было бы надеяться, что возможно обойтись без моделирования. Художник сознательно двигается к этому процессу, «фиксируя» себя в новом выставочном проекте. Формализация искусства — это подготовка к моделированию. Моделирование необходимо для исследования процессов. Оно способствует конструированию новой реальности, пониманию сути явлений, определения характеристик и качества. При этом самого проекта может давно не существовать в реальном времени. Для моделирования нет понятия «времени». Модель стирает большое количество свойств и взаимосвязей, сосредотачиваясь на существенных. Модель художника — это всегда информационная модель. Формальное описание заменяет реальность художника, переводит внутреннюю структуру в определенную внешнюю формулу. С одной стороны, может показаться, что формализация художника помогает ему в позиционировании своего творчества и наоборот. Также способствует выходу на рынок. С другой стороны, это смерть и для автора и для проекта. Она происходит в любом случае. Мы живем во времени и пространстве. Я смотрю на этот феномен как на ситуацию, когда, чтобы перейти на более осознанную позицию, ты должен обессмыслить все свои предыдущие, а, может, и последующие действия. Художник должен занять какую-то позицию. Чтобы это произошло, необходимо либо держаться прежнего (мы всегда в позиции), либо полностью аннулировать все, что было сделано раньше. Создать себя. Очередное несоответствие визуального материала статьи со смысловым посылом текста, как я надеюсь, настраивает взгляд, нарушая привычную конструкцию картинки в тексте. Это лекции Хеннеси. Алина Гуткина

Запись a.k.a впервые появилась Aroundart.org.

]]>