Electroboutique - Aroundart.org

Самоорганизация, «Свободные мастерские» и Школа им. А. Родченко

Марина Руденко — Fri, 25 Jul 2014 10:03:55 +0000

Опыт обучения современному искусству

Запись Самоорганизация, «Свободные мастерские» и Школа им. А. Родченко впервые появилась Aroundart.org.

Brave New Foundation

Ольга Данилкина — Mon, 10 Sep 2012 06:48:54 +0000

Компания-производитель современного искусства преобразована в фонд. Во время открытия нового выставочного сезона первый этаж Мультимедиа Арт Музея стал похож на фрагмент ярмарки новых технологий: по залу разбросаны блестящие объекты, которые то светятся и завлекают зрителя вступить с технологическим чудом в контакт, то пестрят буквами, заставляя хотя бы на секунду остановиться и отдать чуток своего внимания. Блестящие объекты — работы группы «Electroboutique» (Алексей Шульгин и Аристарх Чернышев), а называется это манящее великолепие «Реквием». Отпевать и носить траур художники предлагают по своей прошлой форме существования — арт-коллективу, скоро они перевоплотятся в фонд поддержки современного искусства. Позиционируя себя изначально как «компанию» по производству этого самого искусства, художники от и до играли по правилам капиталистического подхода к производству, со всевозможными «маркетинговыми стратегиями», «заполнениями ниш рынка», созданием собственного магазина и прочим. Они изготовляли высокотехнологичные объекты-гаджеты, объединявшие «стиль, интерактивность и критический подход». Стиль заимствовали у популярных производителей (особенно любили «Apple»), добавляли интерактивность, чтобы вытравить равнодушие из зрителя, а критический подход использовали как формальную перчинку от искусства. Художники были убеждены, что современное искусство сейчас — «авангардный институт современного капиталистического общества», который поставляет ему новые формы и подходы, легитимирует капитал, развивает туризм и поддерживает безработных по имени «художники». Заимствовать идеи из коммерческого пространства обратно в искусство — такой выход для искусства видели участники «Electroboutique». Вступать в общение со зрителем в этой ситуации можно, только действуя «внутри капиталистического производства», в его формах, — так искусство сможет избежать маргинальности. Два больших плюса современных массовых гаджетов, привлекательный дизайн и простота в использовании, сделали работы художников предельно доступными (за что не раз были раскритикованы). На выставке — всего шесть работ, которые складываются в стройную композицию, критикующую действие массовых информационных технологий. Клубок из бегущей строки — поток не то фейсбука, не то информагенства, которые должны насытить современного человека с рекламного плаката, сделав его успешным, пусть даже насыщенность ограничена только этой строкой. «Голос свободы» — пианино, у которого вместо нот ударные слова политических выступлений, инструмент высказывания гражданской позиции, пусть и ограничивающийся записями-шаблонами. Пластиковые закорючки на стенах доносят свой месседж только при наведении на них камеры мобильного телефона: искусственный глаз, считывая код, видит то, чего не замечает человеческий. «Большой говорящий крест» с расписанием полетов призывает ему поклониться. Все гаджеты методично даруют человеку мнимую навязанную свободу: без них он уже не знает, не говорит, не видит и не может свободно перемещаться. Башня из скрученного айфона «3G International» соединяет эти свободы, — что еще нужно прогрессивному человеку, как не все приложения в одной коробочке. Замыкающая зал «Большая зеленая голова» ставит логическую точку в абсолютно слепом подчинении технокульту. Провозгласив свой триумф, создатели технологий удаляются от критики привычным способом, заметая следы, — «социальной ответственностью». Как современная, прогрессивная компания, держащая высокую планку дизайна и удобства, арт-группа заимствует в качестве следующего модного тренда статус фонда поддержки современного искусства. Рекламным текстом сообщая в анонсе выставки, что прежние модели устаревают и приходят новые, «Electroboutique» меняет форму, как новый iPhone с встроенным WiFi: из бутика становится фондом. На первый план выходят институции — пишут они, — в институциях аккумулируются финансы и задаются пути развития искусства, художники становятся средствами. Мир переворачивается с ног на голову, и группа следует за ним. Как производители (читай «художники») ранее диктовали правила, и «Ford» мог быть любого цвета, только если он черный, так сейчас покупатели (читай «институции») становятся на первый план, и твои кроссовки могут быть любого цвета, их раскрасят по индивидуальному эскизу. Заботливая иллюзия производителя помогает потребителю не мучиться и верить, что он полностью управляет своим поведением и всем в мире («Nike — just do it»). Как утверждают теоретики современного маркетинга, это только красочная картинка в голове, и до самостоятельного выбора потребителю еще нужно долго пробираться сквозь дебри искусных манипуляций. Большой капитал от использования наработок искусства обратился к его поддержке, поэтому и «Electroboutique» меняется вместе с ним. А художник все равно победит, и вообще войны в заливе не было. Фотографии: Грета Димарис Материал подготовила Ольга Данилкина

Запись Brave New Foundation впервые появилась Aroundart.org.

Зритель здесь суровый, пробует всё на зуб

Анна Ильченко — Mon, 28 Nov 2011 09:54:48 +0000

В рамках серии художественных проектов, при поддержке Arts Council of England 22 ноября в пространстве лондонского Музея науки открылся новый pop-up магазин арт-группы «Electroboutique» (Аристарх Чернышев и Алексей Шульгин). По словам одного из кураторов выставки и руководителя арт-проектов Ханны Редлер, музей давно оказывает активную поддержку не только интерактивному искусству, но и художникам, которые занимаются производством новых форм, включающих в себя все аспекты интеграции новых технологий. Таким образом, программа нацелена на более широкое культурное понимание того, как взаимодействуют наука, техника и искусство. Выставка «Electroboutique pop-up» вполне вписывается в заданные параметры. Называя себя «innovative art production company», художники решили вновь представить публике плоды своих трудов за последние семь лет. Новый проект стал усовершенствованной версией и продолжением концептуального магазина «Art That Cares», созданного два года назад в Центре современного искусства в Трондхейме (Норвегия). Теперь же «заботу искусства» можно ощутить на новом уровне. Прогресс не стоит на месте, и идея concept store в наши дни уже устарела, в то время как концепция pop-up store стремительно набирает популярность. Сокращенное наименование «pop-up» в переводе с английского языка обозначает небольшой временный магазин, открытие которого приурочено к какому-либо событию. Востребованность таких магазинов обусловлена тем, что им удается создать уникальную среду. Благодаря краткосрочности своего существования они пробуждают ощущение актуальности и новизны продаваемых товаров. Кроме того, подобная форма позволяет внедрить интерактивность, а оригинальные экспозиции подогревают интерес потребителя. Следуя последним тенденциям, художники положили в основу выставки идею временного магазина. Пространство Музея науки оказалось подходящим для реализации проекта по многим причинам. «Контекст хорош тем, что он показывает, как развитие капитализма поддерживало развитие науки, техники, дизайна и искусства. Все это звенья одной цепи. Это то, о чем наши работы. О том, что искусство является неотъемлемой частью капиталистического кругооборота производства–потребления, и это очень хорошо работает именно в этом музее, потому что даже эстетически наша выставка попадает в эту позицию», – поясняет Алексей Шульгин. Получается, что выставка продолжает тему коммерческого искусства, которая была разработана в первоначальном норвежском варианте, где произведение искусства позиционировалось как эксклюзивный сегмент потребления. Кроме того, проект включает в себя уже знакомые московской публике произведения, такие как «Невидимые сообщения» и «ЗG International», а также две новые работы, спонсированные институцией – механизированная собака, листающая айпад («iPaw»), и компьютерная программа по генерированию Артка («Instant Artlet Maker»), разработанная совместно с Еленой Артеменко. Некоторые клеймят такое интерактивное искусство, называя его китчем и аттракционом, вместе с тем участники «Electroboutique» видят в этом его познавательную функцию. Привлекая современного зрителя ярким и эффектным дизайном, проект сознательно призывает «переосмыслять действительность» через легко воспринимаемые формы. Насколько эта схема работает на практике – сложно сказать. Втягиваясь в смысловые игры, художники бросают участникам вызов, который позволит им прочитать «критический месседж». Тем не менее, одна из новых работ «iPaw» прозрачно демонстрирует образ «нового варвара», который привык бездумно поглощать любой информационный мусор, играясь с сенсорным экраном своего нового девайса. Похоже, что в этом интеллектуальном марафоне технология одерживает первенство, а современный человек, подверженный различным манипуляциям и утративший способность к саморефлексии, оказывается «собакой Павлова» новой формации. Демократизм экспозиции потребовал принятия ряда мер по сохранности произведений от нашествия «варваров». «Зритель здесь суровый, пробует все на зуб», – говорит Аристарх Чернышев. Похоже, такой либеральный подход импонирует художникам, которые полагают что подобный диалог со зрителем лучше, чем загнивающие институциональные дискурсы. «Мы как авангардисты стараемся расширить область функционирования искусства и нести его людям, а не специально ориентированным или коммерчески ориентированным агентам в области современного искусства», – подтверждает Шульгин. Сами художники признались, что критиковать современный мир уже бессмысленно, констатируя его смерть на ментальном уровне. Об этом свидетельствуют последние работы Шульгина и Чернышева, рассуждающих об искусстве после конца света. В этой связи выставка в институциональном контексте Музея науки кажется в большей степени гастролирующей ретроспективой «классиков». Правда, непонятно – классиков какого направления. Деятельность «Electroboutique» сложно ограничить какими-либо стилистическими рамками, потому что производимый ими продукт является результатом смешения различных опытов и наработок других направлений. «Мы не вписываемся ни в какие институциональные рамки, и это и есть настоящая свобода», – парирует на это Алексей Шульгин. Впрочем, «Electroboutique pop-up» может стать неплохим поводом для переосмысления собственной деятельности. Фотографии: Аристарх Чернышев Материал подготовила Анна Ильченко

Запись Зритель здесь суровый, пробует всё на зуб впервые появилась Aroundart.org.

Electroboutique о независимости художника и новом варварстве

Сергей Гуськов — Fri, 18 Nov 2011 08:02:37 +0000

Участники недавно закончившейся IV-ой Московской биеннале Алексей Шульгин и Аристарх Чернышев, известные как группа «Electroboutique», готовят выставку, которая откроется 22 ноября в лондонском Музее науки. Они рассказали Aroundart о своем участии в биеннале, посетовали на консерватизм московской арт-сцены и поделились прогнозами на будущее. Сергей Гуськов: Вы попали на основной проект IV-ой Московской биеннале. Тема биеннале была расплывчатой, а вот умонастроения Вайбеля были понятны — он за технологическое, интерактивное искусство. Значительную часть работ составили как раз подобные произведения. Каков ваш опыт участия в биеннале? Аристарх Чернышев: Если говорить вообще о технологиях и искусстве, то, с моей точки зрения (она может быть спорной на чей-то вкус, но я ей руководствуюсь и пока что она хорошо работает), все искусство, в принципе, более или менее технологично, потому что вся история искусства — это изобретение новых технологий и применение их на практике. Живопись изобрели конкретные люди. Они придумали холст и начали на нем писать. Благодаря холсту они оторвались от доски на стене в церкви, что привело к развитию светской живописи, а художник стал мобильным. В определенном смысле это был, если и не прогресс, то, как минимум, изменение в статусе художника. Если раньше художник был привязан к заказчику, к месту исполнения, к штукатурке, к стене, к доске, то с изобретением холста он стал мобильным и структура самого искусства изменилась. То же самое со всеми остальными технологиями, которые либо остаются, либо исчезают. С интерактивностью то же самое, никто не рассматривает ее как единственный выход. Приживется — хорошо, нет — так нет. Мы работаем с интерактивностью и без нее, мы не ставим себе цели делать все интерактивным. Просто это такая технология, в которой еще можно экспериментировать, еще можно получить результаты, отличные от тех, которые мы видим в более традиционных техниках исполнения. Вайбелю тоже все это интересно, именно поэтому он сидит в ZKM (Центра искусства и медиатехнологий в Карлсруэ – прим. С.Г.). Мутная область «new media», которую кто-то ругает, а кто-то, наоборот, восхваляет, является своеобразным экспериментальным полем, где апробируются новые технологии, некоторые из которых остаются со временем на территории искусства, как это произошло с фотографией, видео, кинетическим искусством. После 2000-х, может быть, что-нибудь останется, а, может быть, и нет. наши объекты сломаются, исчезнут, и все облегченно вздохнут. Пока что мы живем в таком режиме — экспериментируем. Что касается самого участия в биеннале, Вайбель экспериментирует и выбрал тех людей, которые также интересуются подобной тематикой, собрал их вместе и предъявил результат общественности. Насколько биеннале получилась хорошей, мне как участнику судить сложно. Лично я всем доволен, но если я скажу, что все хорошо, то сразу зазвучат голоса критиков, что, дескать, каждый кулик хвалит свое болото. Каждый, действительно, хвалит свое болото. Конечно, там много более-менее проходных работ, которые можно было бы не включать в основной проект, но так устроена любая биеннале: всегда есть мощные, ударные работы, а есть проходные. Может быть, и экспозиция не была так уж идеально выстроена. Еще одна проблема заключается в том, что прошлая биеннале была суперуспешным, супервизуальным и суператтрактивным событием, с которым сложно конкурировать, потому что, Жан-Юбер Мартен, конечно, выставил идеальную экспозицию. Ты приходишь, оказываешься захвачен этим действием, выходишь под впечатлением. Хотя, скажу честно, если бы я увидел отдельно от этой экспозиции 80% работ, выставленных там, я бы, возможно, не обратил на них внимание. То же самое и на последней биеннале: одни работы захватывают, другие — нет. Судя по отзывам художественной общественности, все недовольны, и понятно почему. Это чужая игра, а они не умеют в нее играть. Не знаешь правил игры, не знаешь, как пользоваться этими технологиями, значит это плохо. Так всегда происходит. В принципе, когда появляется новая, передовая технология, если ее использовать в художественной работе, скажут, что это полное говно, чистое использование технологий. По мере устаревания технологии она обрастает человеческим измерением и некоторыми смыслами, многие люди осваивают ее и начинают ей пользоваться. Тогда уже она перестает казаться такой холодной и бездушной. Никто ведь не ругает сейчас видео. Все им пользуются. Про фотографию вообще молчу. То же самое будет и с новыми на сегодня технологиями. Через 20 лет никто не будет говорить, что это плохо и аттракцион, подразумевая, что не умеют этим пользоваться. Для Москвы вообще характерен консерватизм и косность, как для сырьевой экономики. Тут ничего не нужно. Все можно делать по старинке. Например, гнать нефть, а в качестве искусства этнографию. А все остальное только мешает. Алексей Шульгин: Для нас эта биеннале — хороший опыт, несмотря на то, что нам не выделили ни копейки из своего бюджета на производство работ, но, тем не менее, мы нашли спонсоров. Вообще выставка получилась довольно интересной. Я не буду комментировать саму выставку, ее концепцию. Московская биеннале — большое событие, главная выставка страны. То, что Вайбель привез на нее много интерактивных, медийных работ, является позитивным фактом в российском контексте. В нашей стране очень сильна концептуальная, «литературная», кабаковская традиция. У нас сырьевая экономика, что автоматически влияет на то, какое искусство здесь производится. Инновационные технологии не развиваются; искусство, использующее эти технологии, также не развивается. Новое часто встречается нашей консервативной общественностью в штыки. И тут произошла своеобразная легитимация нового искусства, благодаря тому, что Вайбель его привез. Его можно ругать, критиковать, но он международный авторитет. Он показал, что есть некий международный художественный процесс. Теперь не скажешь, что этого нет. Хотя, несмотря ни на что, я слышал много ругательных отзывов: это интерактивное искусство, развлекуха, это несерьезно и т.д. Но вообще разговоры о серьезном искусстве после дадаизма и Fluxus просто смешны. Сейчас после биеннале происходит перестановка сил и мнений. А нам представился хороший повод не только сделать, но и показать два проекта, которые мы давно мечтали реализовать. СГ: Когда Вайбель начинал работу над биеннале, он объяснял использование новых медиа, в частности, тем, что они демократичны. Сейчас появилась статистика: IV-ую биеннале посетило 70 тысяч человек по сравнению с полмиллионом зрителей на III-ей биеннале в «Гараже». Тогда, конечно, была широкая рекламная кампания, а сейчас ничего подобного не было, но, все равно, заметен резкий спад интереса. Расчет на демократизм не сработал? АЧ: Я не вижу никакой связи между демократизмом и посещаемостью. Я скорее вижу связь между посещаемостью и рекламой, пиаром и промоушеном. 70 тысяч посетителей — то же не так плохо. Если, например, в ММСИ на Ермолаевском в месяц приходит 10–15 тысяч человек […]

Запись Electroboutique о независимости художника и новом варварстве впервые появилась Aroundart.org.