Солдатов Альберт - Aroundart.org

29 января—4 февраля

Сергей Гуськов — Mon, 12 Feb 2018 14:57:28 +0000

Персональные проекты Алексея Щигалева (Центр городской культуры, Пермь), Альберта Солдатова (галерея «Пересветов переулок», Москва), Максима Спивакова (Музей Сидура, Москва) и фестиваль Inversia в Мурманске.

Запись 29 января—4 февраля впервые появилась Aroundart.org.

Тернер vs. Кандинский: Разница и несуразность

Сергей Хачатуров — Fri, 12 Dec 2014 12:06:04 +0000

Вчера в бывшем кинотеатре «Ударник» и будущем Музее современного российского искусства Шалвы Бреуса обьявили лауреатов Премии Кандинского. Ими стали Павел Пепперштейн («Проект года»), Альберт Солдатов («Молодой художник») и Михаил Ямпольский («Научная работа»). Несколько недель назад жюри британской Премии Тернера также объявило имя победителя – Дункан Кэмпбелл, видеохудожник. Сергей Хачатуров сравнивает две премии и рассуждает об их финалистах и лауреатах. В одной из своих недавних статей о Премии Кандинского я, помнится, сетовал на то, что почти все финалисты уважаемой негосударственной Премии России в области современного искусства никак не хотят обращаться к трудным и болезненным вопросам чудовищных реалий политической жизни страны. Как оказалось, по-своему аполитичны и художники-финалисты престижнейшей в Британии Премии Тернера, которая в этом году отмечает юбилей: 30-летие с момента основания. В случае с Премией Тернера, как и с Премией Кандинского, критическая позиция в отношении существующего порядка вещей в политике, экономике, социальной жизни имеется. Однако она упакована в столь замысловатый визуальный, вербальный образ, что не всякому удается её отыскать и прочитать. Собственно, в этой трудности коммуникации относительно грозящих катастрофой и требующих немедленной реакции проблем мы с Британией оказались схожи. И нам, и им милее обустраивать свои собственные интрасубъективные мирки и с нарциссическим упоением усложнять техническую многослойность оптических интеллектуальных игр, головоломок. Это интереснее, нежели мужественно ответить на вызов времени и, подобно модернистам эпохи авангарда или художникам самого лучшего фестиваля мирового contemporary art, Документы, встать на защиту чеканно сформулированных в отношении уродств социальной и политической жизни принципов. Думаю, логично, что выставка финалистов Turner Prize все же проходит в более локальном контексте Tate Britain, а не в цитадели классиков мирового модернизма Tate Modern, и председатель жюри – директор Tate Britain Пенелопа Куртис. Три вышедших в финал нынешнего года проекта Премии Тернера складываются в подобие связного триптиха. Схожи и методы создания многослойного, одновременно дискретного, постоянно рвущегося в последовательности изложения визуального текста. Этот текст мультимедийный: фотографии, видео, слайды, – все собирается в сложный, многослойный палимпсест. Три финалиста это Триш Вонна-Мичелл, Джеймс Ричардс и победитель Turner Prize-2014 Дункан Кэмпбелл. Отдельно от этой троицы существует проект четвертой финалистки Кьяры Филлипс. Продолжая славную традицию от Морриса до Уорхола, она является апологетом ручного ремесленного труда с использованием техники печати. Создает принты. Поддерживает идею демократического артельного производства предметов искусства с участием мигрантов, тех, кто не способен быстро адаптироваться к условиям жизни в Великобритании и может быть занят ручным трудом на дому. Филлипс сотрудничает, в частности с организацией Justice for Domestic Workers (J4DW), с которой они организовали акцию, держа на выставке 2013 года баннер «No to slavery». Однако и Филлипс с ее странными красочными печатными абстракциями, куда втираются отельные фотоимиджи и буквы, оказывается причастной общей тенденции сложного поиска языка коммуникации, желания дистанцироваться от собственной позиции носителя внятно артикулированной речи и смысла и передоверить их конструирование собеседнику, то есть зрителю. Кьяра Филлипс так и говорит, что отдает предпочтение буквам, а не словам, ибо слова – диктаторы, ограничивают смыслы. Три мультимедийных проекта, как уже было замечено мною, вполне органично создают подобие триптиха о нелинейном, трудном приятии мира. Видео Джеймса Ричардса Rosebud увлекает зрителя к границе табуированных в официальной культурной политике тем, как-то эксгибиционизм, порнография. Он демонстрирует фото, изъятые токийской цензурой из городских библиотек. Это порноснимки, в которых на месте половых органов – зацарапанная белая поверхность фотобумаги, с которой соскребли фотоэмульсию. Белые помехи делают общение с запретными кадрами еще более интимным и чувственным. Фрустрированное запретными темами сознание возбуждается от прикосновения к чему-то опасно близко осязаемому, но не вмещающемуся в наш зрительный опыт, иному. Среди изъятых авторов – Ман Рей, Мэпплторп, и именно с ними Ричардс ведет диалог. Неузнаваемый опыт сенсорной информации, возникающий при контакте с поверхностью экранного и фотоизображения во многом инспирирован идеями Вальтера Беньямина об «оптическом бессознательном». Не случайно поэтому своеобразным постером к выставке Джеймса Ричардса может служить увеличенный фототехникой глаз президента США Гамильтона с десятидолларовой купюры. По словам критика Лиззи Кэрей-Томас, вдруг проявленная текстура бумаги активно вторгается в образ, создавая иллюзию сделанной на коже татуировки. Триш Вонна-Мичелл является адептом ретро-технологий в создании своего собственного визуального палимпсеста. Диапозитивы (слайды), пленочные кинокамеры, старые фотографии становятся параллельными информационными, визуальными полями. Эти поля наплывают друг на друга, усложняя диалог со зрителем. Требуют от него максимального соучастия и личного концептуального монтажа. Вонна-Мичелл увлечен темой зазора между фактами и вымыслами, симулякрами. Изъятие из привычного контекста фотодокументации, например, важно для него в плане открытия новых перспектив интерпретации. В представленном на выставке проекте «В поисках Шопена: в Эссексе» демонстрируются созданные в стилистике английской живописи видеопейзажи графства Эссекс, где провел часть своей жизни пионер поэзии звука, сонорной поэзии (sound poetry) Анри Шопен и вырос сам Триш Вонна-Мичелл. Старые фотографии, слайды, звуки поэзии Шопена сопровождают видеоряд. Зритель увлекается в лабиринты каких-то наполовину реальных, наполовину сомнамбулических пространств. Словно попадаешь в чужой сон, чужие грезы. Видеоролик, представляющий номинанта Премии Тернера Дункана Кэмпбелла // Tate Britain, 2014 // Ролики о других номинантах можно посмотреть здесь Наконец, победитель Turner Prize Дункан Кэмпбелл. Его возбуждает сформулированная когда-то Самуэлем Беккетом идея о форме, порождающей, заключающей в себе хаос. В выигравшем конкурс фильме «Это для других» художник обращается к фильму 1953 года Криса Маркера и Алена Ренэ «Статуи тоже умирают». Фильм классиков французского кино имеет четкий социально-политический мессидж. Он о воздействии колониализма на африканское искусство и наследие. Европейская цивилизация апроприировала чуждые ей культуры, присвоила себе, не удосужившись понять их уникальный язык и образ, превратив в товар на рынке экзотических сувениров, опошлив пластический мир, сведя его к карикатурным подражаниям – упаковкам для кетчупа из супермаркета. Эта тема стала для Кэмпбелла поводом создания полифонического видеосвитка на сюжет о том, как мутирует художественный образ на пути от откровения к товару. Художник встраивает в монтаж фрагменты хореографического спектакля Михаэля Кларка на тему первого тома «Капитала» Карла Маркса, фотографии сопротивления ирландской республиканской армии британским войскам (они тиражировались и впоследствии стали рекламными постерами). Эту неуверенность от общения с образом, который может быть легко украден обществом потребления, транслирует в своем проекте Дункан Кэмпбелл. И также заставляет зрителя совершать трудную работу по самостоятельному монтажу смыслов из нелинейных, фрагментарных, дискретных, наслаивающихся друг на друга визуальных рядов. Что объединяет финалистов? Любовь к нелинейному монтажу, любовь к визуальным и смысловым помехам, избегание прямой речи, сильного авторского голоса, мифологизация реальности, безграничное почти доверие зрителю, его творческим возможностям соавторства, предпочтение мыслям о будущем странствию по тропкам собственной памяти, […]

Запись Тернер vs. Кандинский: Разница и несуразность впервые появилась Aroundart.org.

Минимальное отдаление. 26.04.2013. Галерея «Периметр»

admin — Sun, 05 May 2013 18:11:35 +0000

Видео: Катя Гаркушко Страница выставки на Facebook. Пресс-релиз и фотографии работ. Статья Ольги Данилкиной о выставке.

Запись Минимальное отдаление. 26.04.2013. Галерея «Периметр» впервые появилась Aroundart.org.

Приручение рекламы

Ольга Данилкина — Sun, 20 May 2012 07:02:21 +0000

«Каков бриф – таков и креатив», – едко шутили в далеком прошлом мои коллеги в PR-агенстве по поводу извечных конфликтов между заказчиком и исполнителем в среде креативных промо-индустрий. На выставке «Реклама» молодого художника Альберта Солдатова в галерее «Комната» обнаружился целый пласт кошмаров представителей «креативного класса»: трепетно вырисованные от руки образцы рекламных объявлений со страниц бесплатных газет и стикеров в метро. Поверим тексту куратора – «язык рекламы 1990-х, доминирующий по сей день». Двигаясь по кругу, зритель видит сначала объявления целиком, затем пустые баннерные окна, далее воспетые шариковыми ручками облачка не то из программы Paint, не то шаблонов «Microsoft Word», и, наконец, вовсе намек на рекламную тумбу с абстрактным облаком сообщения из скотча по стене. Ольга Данилкина: В тексте к выставке Роман Минаев (куратор выставки – прим.) ставит в эпиграф цитату из Generation «П» Виктора Пелевина и констатирует, что сегодняшняя газетная реклама застряла в языке 1990-х годов. Почему ты обратился к рекламе вообще и рекламе в такой эстетике в частности? Альберт Солдатов: Сама идея работы с рекламой появилась года два назад, я думал, что можно сделать из рекламы – сделать из нее живопись оказалось самым абсурдным. Постсовковый трэш – эстетика, которая очень сильно влияет на наше восприятие, потому что она есть везде, в том числе, и на улицах. Она характерна для России и, может быть, латиноамериканских стран. Для работ я брал примеры из газет, потому что газеты – это изначально близкая форма, массовая продукция, наиболее доступная в виде каких-то листовок, бесплатных газет, которые раздают у выходов из метро или подземных переходов. Она привлекает своей визуальной нелепостью: сделана за пять минут людьми со своими представлениями, как должно быть красиво, обязательно с тенью, плашками и т.д. Это какая-то ничтожность, на которую совершенно не обращаешь внимания, – хотелось сделать акцент на формальных признаках такой визуальности, исследовать ее, разобрать. ОД: Если смотреть выставку по часовой стрелке, то сначала здесь буквально поп-артистское ручное восторженное копирование реклам, заканчивается же все бесформенным облаком приклеенных к стене полосок скотча. Расскажи обо всей последовательности заявленной деконструкции. АС: С самого начала – это такое увлечение, попытка выявить момент идиотизма, не увеличивать и делать принт, не печатать, ведь это слишком просто, а усилить абсурдность происходящего, сделав живопись на основе максимально непригодного для этого материала. ОД: Ручной подход здесь принципиален? АС: Да, возникает интерес, углубление в тему, состояние живописности, процесса. В традиционном смысле, конечно, это не живопись, но все можно назвать «живописью», что руками делается. На другой стене – псевдорекламные боксы на реальных окнах, здесь использованы заглушки для окон. На следующей – «возврат к формализму», потребность пойти дальше, оторваться от истории с рекламой и повседневности в такой «художественный беспредел». Хотелось убрать лишнее – текст, логотипы, а сконцентрироваться на отдельных эффектах и приемах, таких как градиенты, облачка, искажения, сымитировать их ручным способом. В конце – объект, имеющий отдаленную связь с предыдущими формами, максимально редуцированный – полоска на тумбе и скотч на стене в виде произвольного пятна. ОД: Есть ведь масса совершенно другой рекламы, даже в больших масштабах насыщающей городское пространство – всякий «хороший дизайн» реклам хипстерских MAC’ов, Apple’ов… АС: Там просто не о чем говорить. Там не найти этой наивности – ее нет, с такой рекламой можно делать что-то другое. ОД: Например? АС: Именно концентрироваться на гламурности, красивости, пойти в обратную сторону – еще более усилить гламур. За работой с темой хипстерских брендов и брендов вообще замечены руководители мастерской «Новых медиа» Школы фотографии и мультимедиа им. А.Родченко, где сейчас учится Солдатов, – Алексей Шульгин и Роман Минаев. Выставка в «Комнате» у Солдатова первая персональная, до этого он участвовал только в ряде групповых проектов, в большинстве случаев, представляя там свои видеоработы. ОД: Ты учишься в Школе им. А.Родченко на «Новых медиа», при этом закончил МГУП по специальности «графический дизайнер» – как у тебя происходит сейчас сочетание того и другого? АС: Они сосуществуют параллельно. Иногда мне нравится рисовать, а с последних курсов института меня как раз заинтересовало видео, движущаяся картинка, то, какую историю можно с ней рассказать. Постоянно происходят какие-то возвраты, хочется сделать что-то руками, порисовать. В видео меня интересует остранение обыденных вещей, когда уделяешь преувеличенное внимание привычным объектам – это ковры на стенах, телевизоры, накрытые салфетками, старые кресла, квартиры без евроремонта или с псевдоевроремонтом, когда делают арочки в проходах, например, пирамидки, тарелки, вазочки в «стенках», такие мещанские композиции. «Говорят, что дизайн традиционно призван быть средством борьбы с уродством окружающего нас мира», – емко выражает фраза из кураторского текста «боль» типичного российского творческого работника, вынужденного продавать душу местным типичным заказчикам из среды малого и среднего бизнеса. Выставка Солдатова в этом смысле, с одной стороны, очень личный проект, с другой – узнаваемая история современности, борьба с ненавистным порядком вещей, будь то импортная глянцевая искусственная реальность или отечественное безвременье, застрявшее в лихом прошлом. ОД: Многие художники, которые занимаются современным искусством, зарабатывают на жизнь, работая в рекламных агентствах – ты думал об этом, создавая проект? АС: Я занимался дизайном и до школы Родченко, делал книжки, обложки, рекламу, однако, в такой работе мало творчества, искусство гораздо интереснее, предполагает большую свободу – выход за рамки прикладных задач. Фотографии: Ольга Данилкина; галерея «Комната» Материал подготовила Ольга Данилкина

Запись Приручение рекламы впервые появилась Aroundart.org.