19 ноября – 2 декабря

881        0       

881    0   

Текст: Вик Лащёнов Фото: Митя Лялин

В галерее при Высшей школе экономики, открывшейся в этом году, проходит вторая по счету выставка, на этот раз под кураторством Александра Буренкова. Выставка «Становясь бессознательным / Дрожа / С открытыми глазами / Я вижу тебя / Сдайся» отличается необходимостью встречи с художником, без которой невозможна встреча с художественным произведением. Этими встречами, перформансами, совместными играми, музыкальными сессиями и формируется темпоральность выставки. Это делает ее похожей на фестиваль современного танца или перформанса с той лишь разницей во внимании к остающимся в странстве следам от случившегося — они становятся экспонатами выставки. И эта схожесть не случайна. В поле современного танца и современного искусства происходят изменения: танц художники ищут способы ухода от традиционных форм показа работ и говорят про посттанец, а в поле изобразительного искусства говорят про уход от объектов и «новый перформативный поворот», но все это похоже на движение с разных сторон друг к другу.

Авторы 17 проектов, представленных на выставке, преимущественно молодые российские художники. Их объединяет то, что их практика находится одновременно на нескольких территориях, от танца до йоги, саунд-арта, медитации, разных форм обучения и коммуникации; и то, что они создают определенное пространство в процессе работы, которое исчезает с ее окончанием. Куратор выставки, Александр Буренков, говорит про «поколенческий сдвиг в молодом российском искусстве», про «нарастающий интерес к новым коллективным, телесным и перформативным практикам», и определяет участников выставки как художников «нового перформативного поворота».

Само словосочетание new performance turn очерчивает проекты, появившиеся в последнее десятилетие, в рамках которых современный танец появляется в галерейных пространствах, создавая гибридные среды для просмотра работы. Одной из предпосылок этого поворота стало появление современного танца как нового поля для формирования критического высказывания. 

Привнесение танца в выставочное пространство приводит к наложению темпоральности, присущей танцевальным/театральным показам, на режим просмотра выставки визуального искусства. Для просмотра работы зритель должен быть в определенное время в определенном месте, что приводит к вынужденному соприсутствию с незнакомыми людьми в процессе просмотра работы. С другой стороны, свобода перемещения относительно происходящего, расположение на одном уровне и в непосредственной близости к исполнителю усиливает переживание происходящего, что определенным образом формирует его внимание. В следствии такой формы показа и группового просмотра, зритель попадает в пространство иного, более интенсивного сенсорного переживания, где значимой становится процессуальность самой встречи.

Временность и ускользание, характерные для танца, заложены в структуру выставки «Становясь бессознательным…» — ее пространство разделено на три зала, в центральном из которых по расписанию проводятся перформансы, а артефакты от них собираются и экспонируются в двух соседних залах. Зритель, не попавший на перформанс, может реконструировать случившееся по отчетам и фотографиям в медиа среде, или по сохраненным следам, экспонированным в галерее.

881    0   

Текст: Сарычева МарияФото: скриншоты из видеодокументации Марины Меркуловой

Пользуясь ситуацией созданной куратором Александром Буренковым выставки, которую невозможно охватить человеческим взглядом (галерея работает только в дни, когда проходят событие, а это значит, что в помещении всегда будут люди и одинокое созерцание никогда не произойдет), я позволю себе сконцентрироваться на перформансе Саши Пучковой. Хочется сказать, что он «прошел в рамках выставки», но когда череда перформансов и есть выставка, то перестроиться на новую лексику «перформативного поворота» не так-то просто. 

Медиатором между куратором, большим количеством номадических перформативных практик и студентами школы дизайна ВШЭ становится перформанс Саши Пучковой. Саша работает в разных медиа («звук, видео, объекты, практики перформативной коммуникации и перформативные эксперименты»), художественная практика в её случае постоянно находится в становлении, поэтому мысленно я перекладываю ее работы с одной полочки на другую. 

«Синтаксис» как действие Саша Пучкова проводит в пятый раз. Сценарий взаимодействия так или иначе остается прежним — есть некоторое количество перформеров, партитура телеграмм-канала, включенное наблюдение со стороны зрителей, только вопросы, которые поднимаются в ходе действия различны. Если прежде «Синтаксис» был скорее посвящен грамматике власти между зрителями и перформерами (например, при показе в Фонде Смирнова и Сорокина он еще был «Синтаксисом власти» и позволял зрителям через телеграмм-канал задавать команды перформерам), то в этот раз власть исчезает, обнажая многослойность коммуникации.

Не разделяя мир на «реальный» и «виртуальный», мир до смартфонов и после, во время перформанса Саша остается серым кардиналом телеграмм-канала. Формат позволяет наблюдать зрителю действие как дистанционно, просто подписавшись на канал, так и вовлеченно, будучи рядом с перформерами, а порой и вмешиваясь в их дрейф. Такая синхронизация опытов зрителя и перформера постепенно размывает границы между этими номинальными позициями, создавая невозможность не-участия. Череда вопросов, заданная через телеграмм-бот, направлена на то, чтобы вычленить у всех читателей канала степень токсичности отношений со своим смартфоном. Работая с т.н. «непрофессиональными» перформерами (их 13 и для многих это первый опыт участия в перформансе), Саша внутри партитуры оставляет лакуны для перформеров, позволяя им публично выразить свое отношение к смартфонам, безопасности в диджитал пространстве и многим другим важным вопросам, нам — послушно голосовать внутри канала и баловаться с задержками трансляций, тем самым превращая их и нас всех фактически в «пользователей» перформанса, одновременно переживающими сложно структурированный коллективный опыт.

881    0   

Текст: Анастасия ВепреваФото: Николай Гернет

В этом году основной темой Arctic Art Forum стали «Карты смыслов» и это казалось логичным продолжением предыдущих тем «Телесное знание» и «Медленная культура». Через медленное изучение близлежащих объектов, внимательность к повседневности и стало возможным перейти на новый уровень, завоевав доверие у сообщества. Форум состоял из четырех частей – ярмарка креативных индустрий, где были представлена продукция людей, так или иначе работающих с северными мотивами, большой семинарский блок, вечерняя программа: концерт Тима Дорофеева с Надеждой Мироновой, спектакль-перформанс «Живые течения». И выставка, на которой мне бы хотелось остановиться подробнее.

Для её создания была специально приглашена кураторка Мей Жету (Mei Szetu), которая провела большое полевое исследования в Шенкурске и Ошевенске, «прощупала территорию» и предложила данную тему, под которую и собрались несколько приглашенных художников. Площадкой для выставки стал Дом молодежи, который за последние пару лет при поддержке правительства области стал популярным местом встречи. Работы художников были равномерно разнесены по залам. Сама кураторка в последний момент не смогла приехать в силу непредвиденных обстоятельств, поэтому построение выставки стало коллективной ответственностью всех участников.

Часть проектов обращала свое внимание на повседневность — Иван Митюшев показал серию фотографий, в которых изображен его многолетний путь из дома на работу, в котором он каждый раз находит что-то необычное. Кирилл Старицын создал небольшую деревянную инсталляцию, в центре которой его разработки «новой кириллицы», буквы для которой он отыскал среди кованных ручек, горшков и других небуквенных композиций внутри музея деревянного зодчества «Малые Карелы». Объединение Zink zine оккупировало целый зал, где в полумраке проекционного света были показаны черно-белые кадры жизни города, со всеми его «неравномерностями» и с остраняющим комментарием: «Уличная фотография, Россия XXI век».

Татьяна Жигальцова и Сергей Жигальцов в своей работе соединили научный подход с художественным и обратились к эмоциональной географии как виду картографирования. На материале исследования Никеля они показали, как менялось со временем восприятие города от зеленого (позитивного), до красного (негативного) и обратно, а затем через семинарскую форму вместе с участниками создавали аналогичную карту Архангельска. Анастасия Вепрева продолжила тему исследования Ломоносова, расположив в центре экспозиции две графические карты – родной деревни, написанной ученым по его воспоминаниям, и реальной карты того времени; а на их фоне – схематическая третья карта, реконструкция пути Ломоносова в Москву, которую в 80х повторили местные школьники. Одна работа зацикливалась на другую – Ломоносов скучал, но не мог вернуться, а школьники хотели уйти, но вернулись.

Темя памяти косвенно всплывала в работе художницы Дарьи Орловой, которая обратила внимание на исчезновение в 2010 году кораблика с обратной стороны 500-рублевой купюры, что примерно совпало с исчезновением нормального транспортного сообщения между Архангельском, Соловками и Мурманском. Художница создала свойственное для её работ пространство уюта и призывала всех раскрашивать деньги блёстками и создавать собственные псевдо-деньги, для освобождения «мерцающего корабля». Устина Яковлева решила обратиться к памяти своей семьи – мамы, бабушки и прабабушки, родившихся в Усть-Цильме, и представила ряд объектов, создающих опыт «сказочного места», и так или иначе связанных с рукоделием – вышивка, текстильная скульптура, в которых она старалась сочетать разноуровневые материалы, и заодно сопроводила это видео иллюстрацией своего труда. Коре Грюндвог также показал видео из проекта, над которым он работает сейчас, с фокусом на аналитическое исследование собственной идентичности и спекулятивным заигрыванием с возможным прошлым и потенциальным будущим – поставив в центр внимания оленеводство, однако без присущего обычно таким работам сентиментализма.

Мистическая видео инсталляция Ингрид Торвунд была очень хорошо спрятана в одном из залов с дверьми из мутного стекла, сквозь которое проникало смутное мерцание и доносились странные звуки. В его темноте воспроизводилась история про некоего духа леса в модном футуристическом костюме, который бродит там, занимаясь своими кровавыми делами. В каком-то смысле это и была самая яркая иллюстрация (колониального) Севера – таинственного, опасного и бесконечно манящего к себе.

881    0   

Краткое описание событий таково: ММСИ, совместно с Гёте-институтом создали проект «Формы художественной жизни». Это череда выставок от немецких некоммерческих организаций, показывающих в Москве своё искусство и рассказывающих не только о художниках, но и видах собственной организации. «Как нам всем оказаться в будущем» — заключительная выставка цикла. Spektrum, указанный в названии – это, соответственно, пространство в Берлине, которое репрезентируется вместе с выставкой. Как описано в тексте, эта организация толерантна во все стороны: помимо открытости и горизонтальности, они ещё и помогают взаимодействовать, цитата, «людям с различным опытом» (художники, учёные, программисты, дизайнеры и т.д.), а также занимаются популяризацией этих связей. Более того, это целая «программа сообществ», 12 групп, объединенных определенными темами. Организаторы обещают провести в рамках выставки три семинара, посвященных разного рода темам и медиа в искусстве (например, про искусственный интеллект и обработку данных, или «звуковые вибрации»).

Выставка состоит из пяти произведений, каждое из которых как-то ярко обращает на себя внимание. В общем-то, все работы можно так или иначе отнести к digital art. Сразу бросается в глаза масштабная инсталляция Ора Сарфати и Вольфа Биттнера «Круговой сдвиг». Она состоит из шести деревянных рамок, в которых под разным углом натянуты тонкие темные ленты. Видео, проникая через эти ленты, доходит до стены в преломленном состоянии, где, двигаясь по кругу, линии вальсируют в хаотическом распределении. В отдельной комнатке Дорон Саджа – американский художник, композитор и куратор — расположил инсталляцию «Мы никогда не будем снова вместе». Принцип её работы – пустить все звуки, которые может уловить человеческое ухо и все цвета, которые может уловить глаз, за очень короткое время, создав этакий «белый шум».

Я условно рассказала про две инсталляции для хотя бы примерного понимания из текста что происходит на выставке. Само по себе описание искусства, которое работает больше с перцепцией и требует непосредственного присутствия на выставке, не представляется мне интересным или возможным. Представьте, вы заходите в тёмную комнату, в которой сливается три видеопроекции, много разных шумов, инсталляция, включающая запах, а в отдельной комнатке на вас обрушивается цунами стробоскопов и непрерывных звуков.

Работы так или иначе пытаются говорить то о горизонтальности, то о личном выборе, но всё вместе оставляют довольно странное впечатление. Хотя бы потому, что всё вместе это больше напоминает карнавал и, за всеобщем «приглашением к взаимодействию» сами темы безвозвратно теряются, становясь вторичными и больше акцентируя внимание на технической составляющей. Примером может послужить инсталляция Дорона Саджа, о которой говорилось выше. В тексте к работе написано, что зритель становится точкой в пространстве безграничных возможностей, поскольку он находится в месте соединения всех созданных и создаваемых песен, например. Но на то он и белый шум, что это абсолютно угнетающее пространство. Это место, в котором невозможно находиться, стробоскопы работают в режиме пред-эпилептического припадка. 

В любом случае, выставка привлекательна с эстетической и некоторой развлекательной точки зрения: всегда интересно посмотреть, как возможности, в том числе и финансовые, помогают художникам делать междисциплинарные проекты, технически несколько более сложные, чем уже ставшей классической структура «говно и палки». А если рассматривать это как исключительно презентацию пространства, открытого к взаимодействию в том числе и в России, то впечатление и вовсе складывается положительное.