Iragui - Aroundart.org

20 сентября – 1 октября

Дмитрий Янчогло — Tue, 02 Oct 2018 13:19:06 +0000

Павел Отдельнов в Музее станка, Ирина Петракова в Iragui и «Новые лозунги» в пространстве при Школе дизайна ВШЭ

Запись 20 сентября – 1 октября впервые появилась Aroundart.org.

1–9 мая

Сергей Бабкин — Wed, 10 May 2017 11:38:55 +0000

Инклюзивный проект «Прямое воздействие» в галерее на Солянке, «ВЗЛЕТ. Выставка-прогноз» на ВДНХ, Юлия Бориссова в «Дом Метенкова» и Денис Строев в галерее Iragui

Запись 1–9 мая впервые появилась Aroundart.org.

Открытия недели: 15–23 февраля

Анастасия Каркачева — Wed, 24 Feb 2016 09:22:25 +0000

Персональные проекты Анны Титовой, Кати Грановой и Александра Морозова, «Фармакон» и «5 комнат».

Запись Открытия недели: 15–23 февраля впервые появилась Aroundart.org.

Открытия недели: 10 – 30 января

aroundart — Mon, 01 Feb 2016 13:53:03 +0000

Cемилетие воронежской галереи «Х.Л.А.М.», открытие выставки-школы группировки ЗИП в Краснодаре, персональные проекты Сергея Ануфриева, Петра Дьякова, Александры Галкиной, Романа Минаева, Егора Плотникова, Алексея Таруца.

Запись Открытия недели: 10 – 30 января впервые появилась Aroundart.org.

Открытия недели: 31 августа — 13 сентября

Ольга Данилкина — Tue, 15 Sep 2015 13:08:48 +0000

«Том второй» в Новом крыле Дома Гоголя, открытие «Варочного цеха» в Мытищах, «Ничто от Ива Кляйна» в «Люде», Дмитрий Гутов и Рембрандт, Иван Плющ, Виктория Марченкова, Павел Пепперштейн и Алексей Боголепов.

Запись Открытия недели: 31 августа — 13 сентября впервые появилась Aroundart.org.

Истории на пересечении

Марта Пакните — Sun, 11 Nov 2012 17:38:57 +0000

Чуть больше недели назад в Музее современного искусства «PERMM» при поддержке «Galerie Iragui» открылась выставка «Современная французская живопись: пересечения истории». Сегодня подобная выставка, состоящая практически только из живописных работ и представленная в музее современного искусства, является скорее исключением из правил, чем закономерностью. На протяжении ХХ века живопись переживала не лучшие времена: в нынешнюю эпоху ее испытывали на прочность — разбирали на части, анализировали и подвергали сомнению, заставляя отступить под натиском более аттрактивных и легко усваиваемых зрителем форм искусства. Некоторые даже выносили ей смертный приговор. Не является исключением и ситуация во Франции, где на каждый департамент сегодня приходится свой центр современного искусства и где в последние годы получило широкую поддержку именно актуальное искусство. Так что же все-таки стало с великой модернистской традицией? Николя Одюро и Екатерина Ираги открывают выставку Молодые кураторы Александра Фо и Николя Одюро исследовали вопрос и составили свое мнение — что же на сегодняшний день осталось от живописи и каким образом она включена в современный художественный контекст Франции. С этой целью они собрали экспозицию из работ 28 художников, работавших в разное время, начиная с 1960-х годов и заканчивая сегодняшним днем. Выбранный период интересен не только своей репрезентативностью, так как показывает весь спектр современной живописи, но и тем, что выбор периода преследует задачу совместить в одной экспозиции художников разных поколений, работающих в модернистской традиции, чтобы провести между ними историческую параллель. Noël Dolla, Sarah Tritz Искушенный зритель может упрекнуть кураторов в показе уже случившихся работ, не несущих никакой визуальной новизны, но это замечание было бы актуально, если бы среднестатистический посетитель музея знал о современной французской живописи чуть больше. Безусловно, выставка имеет просветительский характер, а способ репрезентации уже известных работ предполагает включение в пространство так же и малоизвестных, созданных за последние десятилетия. Экспозиция решена просто, но эффективно. Кураторы облегчили зрителям задачу и структурировали материал, соединяя в пары художников, созвучных по методу или же близких по темам. Таким образом, художник, уже вошедший в историю искусства, и автор младшего поколения, близкий ему эстетически или концептуально, оказываются в ситуации диалога, а момент сопоставления позволяет проследить преемственность поколений. Benjamin Swaim, Jean-Michel Sanejouand, Damien Deroubaix В «одной лодке» оказываются классик геометрической абстракции Виктор Вазарели(1908–1977) с умозрительными иллюзиями объема и молодой живописец Арман Жалю(род. в 1976), чье творчество представлено сюрреалистичными композициями, рождающимися из изображений реальных предметов. Жалю предлагает нам необычную оптику взгляда на предметы, будь то оперение индюка или же отпечаток пиццы на бумаге, тогда как универсальные структуры Вазарели филигранно просчитаны, но и у того и у другого живопись основывается именно на композиции, их обоих интересует ее роль в организации плоскости и вызываемый ею эффект. Armand Jalut, Victor Vasarely, Jean-Olivier Hucleux, Guillaume Bresson, Daniel Dezeuze, Raphaël Renaud Работы другой пары художников — Эрика Дитмана (1937–2002) и Дамиана Дэрубэ (род. в 1972) близки по своему мрачному настроению и синтетичности образов. С помощью разных техник они рассказывают о неоднозначности, двойственности человеческого бытия: трагедии существования, хрупкости человеческой судьбы и одновременно о раблезианском празднике жизни. И видения-галлюцинации Дэрубэ в форме большеформатной акварели и объекты Дитмана основаны на столкновении образов, почерпнутых из реальности и массовой культуры, мифологии и этнологии, истории искусств и СМИ. Художникам интересна та метареальность, которая возникает на пересечении различных образов и смыслов. Erik Dietman, Damien Deroubaix Диалог художницы Веры Мольнар (род. в 1924) и ее младшей коллеги Морган Чембер(род. в 1976) также состоялся независимо от того, что Чембер работает с объемами, а живописи по холсту предпочитает инсталляции, отсылающие к творчеству Дюшана, в то время как Мольнар более традиционно оперирует геометрическими фигурами на плоскости. Обе художницы разделяют любовь к выдумыванию новых форм и отрекаются от заученных приемов и академизма. Экспериментируя и доводя элемент случайности до уровня художественного метода, они стремятся к десакрализации личности «гения-творца». Особенно четко связь двух художниц прослеживается при сопоставлении живописного диптиха Веры Мольнар «Два квадрата, разрезанные пополам» и инсталляции Морган Чембер «Показ». Morgane Tschiember, Véra Molnar Любая кураторская выставка — самостоятельное высказывание. Александра Фо и Николя Одюро формулируют его при помощи работы с пространством. Так, для размещения ситуативной работы Сесиль Бар (род. в 1958) «Фарандола на троих» в выставочном зале музея было открыто окно, обычно недоступное для глаз посетителя за гипсокартонными стенами. Несколько прямоугольных плоскостей — картин-экранов, представляющих собой обтянутые прозрачной тканью подрамники, взаимодействуют с выставочным залом, пропускают через себя дневной свет, образуют сложный геометрический рисунок с очертаниями окна. По замыслу художницы, холсты является всего лишь поверхностью, которая принимает на себя любые проекции окружающего ее пространства. В перекличку со строгими плоскостями Сесиль Бар вступает монохромная работа Франсуа Морелле (род. в 1926) «Стриптиз на острие», выполненная в лучших традициях минимализма. Так же как и Сесиль Бар, Франсуа Морелле много работает с пространством, пытаясь преодолеть границы живописной плоскости, и даже практикует включение живописных плоскостей в контекст архитектурных объектов. François Morellet, Cécile Bart Художники находятся в поиске специфической оптики, присущей живописи сегодня. Ева Нильсен (род. в 1983) использует живопись как инструмент разложения пейзажа на компоненты, преобразуя его в ранее несуществующий. Исследует оптику человеческого глаза ее предшественник и учитель Филипп Конье (род. в 1957), который берет за основу изображения урбанистические сюжеты, извлеченные из фото- или видеосъемки. Работая в технике энкаустики, он превращает их в полотна, похожие на нерезкий снимок — словно что-то нереальное. Eva Nielsen, Philippe Cognée В сюжетах Эрвэ Ика (род. в 1970) видение также является более важным, нежели само изображение реальности: прозрачные абстрактные работы напоминают остаточное впечатление — отпечаток, который сохраняется на сетчатке глаза, когда закрываешь глаза. Гийом Брессон (род. в 1982) начинает работу с фотографирования натурщиков, воссоздавая сцены уличных боев, происходивщих на городских пустырях. Мы будто смотрим на происходящее через объектив камеры видеонаблюдения. ГиперреалистЖан-Оливье Юклё (1923–2012) также отталкивался от фотографического изображения, стремясь при этом сделать изображение более трезвым, реальным и правдивым, чем в жизни. Многоплановая живопись Жака Монори (род. В 1924), вдохновленная полароидными снимками и выполненная в вариациях темно-синего, своей эстетикой и мистическими мотивами напоминает о фильмах-нуар. Jacques Monory, Marc Desgrandchamps, Herve Ic, Bernard Frize Интересно, что многие художники находятся на грани выхода за пределы живописной плоскости, и это не только работы, взаимодействующие со средой. В экспозицию включены единичные скульптуры, объекты и инсталляции, выстроенные на основе живописных принципов или представляющие собой геометрическую абстракцию в объеме. Кураторы не акцентируют наше внимание на конкретной паре художников или работе, а развертывают аналитическое высказывание по ходу продвижения вглубь экспозиции, представляя панораму имен, художественных направлений и методов. При этом пространство высказывания приобретает многомерность: перед нами выстраивается историческая ретроспектива […]

Запись Истории на пересечении впервые появилась Aroundart.org.

Другие пустые холмы

Ольга Данилкина — Mon, 11 Jun 2012 05:50:09 +0000

Выставка Никиты Шохова в галерее Iragui

Запись Другие пустые холмы впервые появилась Aroundart.org.

Певец наслаждения

Сергей Гуськов — Sun, 01 Apr 2012 08:25:26 +0000

«Иван Разумов — настоящий певец наслаждения», — сказал Максим Крекотнев, завсегдатай всех московских выставок контемпорари-арта, когда я встретил его в галерее «Iragui». А во взгляде его читалось: «Ты только посмотри!» Именно таким и должен быть призыв к зрителю этой выставки. Не столько действие, сколько интонация. На открывшейся 16 марта выставке «HARD PATIENT» собраны работы Ивана Разумова с 2002 по 2012 год. Десять лет графики и иллюстраций в книгах о психоанализе, кино и политике и, конечно, в сочинениях Павла Пепперштейна. Сами эти издания также были представлены на выставке. Некоторые из них — настоящие раритеты: выпущенные крохотными тиражами и распространяемые по небольшим интеллектуальным книжным магазинам, которых, как говорит Борис Куприянов, у нас в стране катастрофически мало, они теряются в информационном потоке, иногда всплывая при самых неожиданных обстоятельствах. Но именно тот факт, что многие из этих книг по сути потеряны для читателя, играет на Разумова. Я бы мог сказать, что стены галереи, плотно увешанные листами, погружают зрителей во вселенную художника: лаканианские аллегории чередуются с политической сатирой, язык желания — с психоделическими образами, — но я так не скажу. Когда смотришь на иллюстрации, вырванные из нескольких контекстов и собранные вместе, всегда возникает вопрос: как они работают в таких условиях? Достаточно зайти на сайт любого иллюстратора, чтобы увидеть похожее собрание, одновременно странное и логичное, объяснимое. Объяснимое — потому что в случае сайта это просто некое портфолио. Странное — потому что есть в этой стихийно сконструированной целостности художника нечто подозрительное. Как так — разные истории в общий котел? Если же речь идет не о сайте, а о выставке, как в данном случае, то эта стихийность ощущается гораздо сильнее. Поэтому некоторым зрителям выставка может показаться слишком искусственной. Однако именно на выставке это случайное собрание, объединившее разные серии, начинает работать через выделение каждого отдельного графического листа — перестаешь смотреть серии, но можешь взять, как стеклышки разного цвета, взгляды-листы и посмотреть сквозь них. Собственно нет никакого Ивана Разумова. Есть бухгалтер-эротоман, наблюдающий в дверную щель, как по полу рассыпаются золотые монеты, как разверзаются пасти сундуков, и страсть повелевает его взглядом. Нет никакой уверенности, что монеты золотые, а щель дверная, но взгляд таков. В другом случае обнаруживаем человека, пытающегося разобраться в происхождении своих привычек, фобий и желаний. Он видит себя в детстве — плачущий малютка, которого успокаивают две танцовщицы варьете. Возможно, одна из них его мать, а, может, и нет, но в тот момент одна из них играет похожую роль. Третий — циничный политтехнолог или, может быть, журналист, в сознании которого зашкаливают образы, которые то превозносятся, то подвергаются нападкам, то уходят в забвение, то воскресают из небытия. Сурковы-березовские, головы в коронах и без, кружат по белой пустоте бумажного листа. От них тошно, с одной стороны, но, с другой, так приятно осознавать свою причастность к этому цирку, но, кроме того, эти кружения со временем вызывают зевоту. Взглядов столько же, сколько листов, а, может, даже больше. Конечно, можно сказать, что графика Разумова по большей части связана с текстуальными телами, в которые помещены эти иллюстрации. Может быть, и так, но в галерее — даже если есть указания на конкретные издания — мы имеем дело уже не с иллюстрациями. В какой-то момент во время открытия выставки художник нашел коробку с карандашами, и стал подкрашивать некоторые рисунки, чем вызвал волнение Екатерины Ираги, владелицы галереи, но тут же успокоил ее: «Раз есть карандаши, почему бы не добавить цвета!» Действительно, логика железная и, опять же, интонация. Фотографии предоставлены галереей «Iragui» Материал подготовил Сергей Гуськов

Запись Певец наслаждения впервые появилась Aroundart.org.

Интервью с Никитой Алексеевым

Сергей Гуськов — Fri, 09 Sep 2011 10:00:35 +0000

Сергей Гуськов поговорил с художников о его новой серии работ, основанных на популярном жанре рисунка pin-up, которую можно увидеть в рамках выставки в галерее Iragui

Запись Интервью с Никитой Алексеевым впервые появилась Aroundart.org.

Сергей Ануфриев и Катюша Чалая: «Истинная цель искусства – рассказывание сказок на ночь»

Сергей Гуськов — Sun, 22 May 2011 15:16:13 +0000

В: Как вы пришли к паттернизму? Сергей Ануфриев: Все мои предки были художники. Род мой идет из строителей Московского Кремля, итальянских масонов. Отец – современный художник-модернист, еще в начале 60-ых создал в Одессе неофициальное искусство. Мать впоследствии возглавила МСИ. Я рос в среде одесских нонконформистов и диссидентов. Отчим был философом и историком и я наряду со школьной программой осваивал историю и философию искусства. Меня вдохновлял пафос модернизма, и когда я ознакомился с постмодернизмом, воспринял его как неизбежную реакцию на этот пафос. Начав с 1980 года, с 16 лет, работать в русле концептуальной традиции, я предугадывал, что эта парадигма и соответствующая ей система координат должны с необходимостью сменится новой, позитивной парадигмой. Уже тогда я думал о дальнейших путях развития современного искусства, пытаясь разыскать тайные или забытые тропы в чаще возле главной просеки мейнстрима. Так, если объектом внимания концептуализма была идея, нечто, предшествующее произведению искусства, то меня интересовало то, что следует после произведения, сфера реакции последствие, то есть сознание зрителя, интерпретирующего произведение. Это привело к появлению в 1983 году «предоставительного искусства». Произведение строилось так, чтобы зритель мог свободно интерпретировать его, без названия определенной идеи или смысла. Для этого в произведении выстраивалась некое подобие интриги, завлекающее сознание зрителя и позволяющее ему самому сконструировать содержание – зритель, вовлекаясь в псевдо-событийную ситуации, предоставлялся собственной фантазии, ведущей его по линии сюжетообразования к субъективному содержанию и впечатлению. Он получал возможность сам рассказать себе историю, пользуясь предоставленным набором сюжетообразующих элементов, как конструктором Лего. Следующий период моего творчества – серия «Ни уму, ни сердцу» (1986) – также, но в позитивном смысле, указывал на значимость зрительского восприятия и понимания произведения. Затем появилась Инспекция Медицинской Герменевтики (далее – МГ), в дискурсе которого обсуждался нарратив, как новый эстетический горизонт, как потенциальное поле развития, лежащее за пределами интересов современного искусства и его критики. Интерес к содержанию, смыслу всегда превалировал над формальными интересами в деятельности МГ. Результатом стало создание художественного произведения-романа «Мифогенная Любовь Каст». Однако на пути к нарративу необходимо было проскочить между Сциллой иллюстративности и Харибдой литературности. Нужно было найти возможность, обойдя текст и вообще Логос, обнаружить новые средства передачи смысла, лежащие в визуально-образной сфере. Теория Парамена (1994) стала краеугольным камнем поисков. Исследуя механизмы памяти, параменология указала на те свойства бессознательного, которые (по выражению Лакана) структурируют его как некий язык именно принцип случайности, определяющий формирование впечатления, и лег в основу понимания мантических свойств бессознательного, исходя из которых, возможно создания нового языка, или реконструкции на новом уровне древнего сакрального языка, полностью вытесненного современным профанным, хозяйственным языком Логоса. Но лишь в 2007 году удалось осознать и сформулировать принципы новой парадигмы Паттернизма. Катюша Чалая: Через свой опыт и фантазии моих детей обнаружила внутреннее стремление к совершенству путем созерцания и изучения мира глазами ребенка, познающего мир. С рождения первенца женщина переходит границы сознательного и более тонкого бессознательного, тем самым видя мир как более тонкое повествование вокруг себя, чем в реальной жизни, через путь рассказывания сказок и создания языка мифологии. А так как я уже имею трех детей, то я совместно с ними разрабатываю новые символы, сказки и проекты путем плетения узоров предсказаний.В: В искусстве множество разных «-измов». В чем необходимость и преимущество именно паттернизма? СА: Концептуализм был последним предложением изнутри художественного сообщества. После этого рынок собственными усилиями стал формулировать мейнтрим, именуя все новые направления «контемпорари арт». Поскольку Паттернизм является следующим (спустя 40 лет) предложением, идущим изнутри искусства, то целесообразнее дать ему приставку «-изм», чем «арт», что ассациируется с интересами рынка и сегодня имеет безлично-коммерческий смысл Изм-игровая приставка, рассчитанная более на вдумчивого ценителя, чем на равнодушного потребителя. К этому же, возникает игра смыслов, поскольку «паттернизм» вызывает напрямую ассоциацию с мужским началом (патер), в то время как модернизм также косвенно ассоциируется с женским началом (мадер). Заметим, что модернизм имеет исключительно мужской, янский характер, аналитически – агрессивный. Паттернизм аппелирует к иньскому началу, правополушарному, интуитивному, и имеет женский, мягкий, ублажающий характер. И здесь есть логика, поскольку у мужчин сильнее связь с матерью, а у женщин с отцом. КЧ: Всегда есть необходимость в новом, приходящая с накопленным опытом старого. И, переосмысливая опыт, со временем превращать произведения в послание, в то, что будет главным, о чем будут говорить и думать. Вот и весь мифолог«изм». Обновление – вот первоэлемент структуры изменения одного «-изм»’а на другой. И всё – длинная цепочка записывающейся истории мира, культур. В: Между деятельностью группы Инспекция Медицинской Герменевтики и паттернизмом есть преемственность или какая-либо иная связь? И что их отличает? СА: МГ, как указывалось в ответе на первый вопрос, сыграла большую роль в генезисе паттернизма, у истоков которго стоит «старшая Нома» (В.Пивоваров, И.Кабаков, Э.Булатов, В.Васильев, А.Абрамов, Д.А.Пригов). Отличие МГ в том, что в основном она Логоцентрична и занималась эстетизацией дискурса, то есть, вместо искусства предлагала текст, а паттернизм, наоборот, занят семантизацией искусства, то есть, вместо текста предлагает искусство, в качестве прямого высказывания, не опосредованного знаковой системой трансляции. КЧ: Преемственность есть в расширенном сознании представителей этих течений и многомерном восприятии окружающих нас миров с иными законами бытия. Способность путем передачи информации из мира иллюзий и воображения переносить сознание в истинное, настоящее, тайное, но такое детское и родное. Связь мужчин и женщин очевидна, так и у Паттернизма есть отцы и дети, матери и жены. Сейчас наступает новое время, и ничто не стоит на месте, совершая свое движение к росту и продолжению, так и МГ плавно перетекла в Паттернизм, оставив за собой открытую дверь, для всех Evo-люционеров сознания. В: Повествовательность вы называете «центральным понятием паттернизма». Вы также говорите о том, что искусство ушло от сюжета и что пора к нему вернуться. Что имеется в виду? Искусству, по-вашему, следует обратиться к рассказыванию историй? СА: Безусловно, истинная цель искусства – рассказывание сказок на ночь. Можно назвать это нарушением физических законов путем создания в произведении «эффекта присутствия», позволяющее сознанию сменить континуум своего пребывания и оказаться в другой реальности, столь же иллюзорной, как и та, в которой сознание находится естественным образом. Претензия на истину, срывание покровов иллюзии, тайны и т.п. – задачи, навязанные искусству наукой. Вообще, искусство всегда обслуживало не свою землю, а чужие – магии, религии, науки, политики, экономики и т.д. И лишь сейчас искусство переходит к собственной функции – создание и выполнение универсального языка для повествования, для построения Тысячи и Одной Вселенной – мифо-эпического комплекса будущего. […]

Запись Сергей Ануфриев и Катюша Чалая: «Истинная цель искусства – рассказывание сказок на ночь» впервые появилась Aroundart.org.