Культпроект (галерея) - Aroundart.org

Открытия недели: 18–24 апреля

Олеся Позднякова — Mon, 25 Apr 2016 11:56:22 +0000

Жиляев и Хворостов, «ЕлиКука», Петер Цвик, Эльдар Ганеев, Дима Филиппов, Николай Онищенко, Алев Адил, Александр Дашевский, «Синий суп», u/n multitude, Хаим Сокол и другие

Запись Открытия недели: 18–24 апреля впервые появилась Aroundart.org.

Открытия недели: 28 марта – 3 апреля

Ольга Данилкина — Mon, 04 Apr 2016 14:26:38 +0000

Персональные выставки Юрия Ларина, Ильи Романова и Устины Яковлевой, современная графика в Перми и экспериментальный проект в ММОМА

Запись Открытия недели: 28 марта – 3 апреля впервые появилась Aroundart.org.

Открытия недели: 7 — 13 июля

Елена Ищенко — Mon, 14 Jul 2014 09:31:24 +0000

Попытки деколонизации в Институте Африки РАН, опыт глобализации Дагестана в «Гараже», Паразиты в «Борее», кураторские эксперименты и другие выставки в новом выпуске «Открытий недели». «Десять тысяч уловок и сто тысяч хитростей», Институт Африки РАН, до 22 августа В Институте Африки в рамках международного номадического проекта Meeting Points при поддержке Фонда V-A-C открылась большая выставка, посвященная деколонизации. Экспозицию, созданную кураторским коллективом WHW (What How & for Whom), можно условно разделить на три уровня: первый — это часть номадическая, путешествующая по странам и городам, включающая в себя несколько стержневых работ, второй посвящен местному российскому и постсоветскому контексту, а третий — микроконтексту Института Африки (серия работ Влада Кручинского). Кто-то назвал «Десять тысяч уловок и сто тысяч хитростей» выставкой современного арабского искусства, хотя это далеко не так: организаторы не ограничиваются арабским контекстом (хотя «арабская весна» послужила отправной точкой для проекта Meeting Points), но расширяют его до общемирового. Здесь нашлось место украинской ситуации (видео Миколая Ридного), постсоветскому опыту («Что делать?», Виктория Ломаско), анализу постколониального общества и деколониальным активистским практиками. Выставка получилась по-хорошему скучной и сложной, представленные работы не отражают единственную точку зрения, а вступают в диалог и даже конфронтацию. Так, видео британского художника Лоуренса Абу Хамдана «Пересмотр: Офицер Вождь конных егерей императорской гвардии сирийской революции, идущий в атаку», повествующее о гордости за победу над колониализмом и одновременно англомании сирийских бизнесменов, соседствует с работой Тома Николсона «Сравнительный памятник (Палестина)», представляющей собой постеры с изображениями девятью памятников в окрестностях Мельбурна, воздвигнутых в память о погибших в Палестине австралийских солдатах. Рядом расположена ироничная аудиоработа египетской художницы Иман Иссы, представляющая усредненный образ революционера, уже ставший трюизмом. — Елена Ищенко «Без названия… (местные из неотсюда)», МСИ «Гараж», до 10 октября Выставка «Без названия… (местные из неотсюда)» открылась в тот же день, что и «Десять тысяч уловок и сто тысяч хитростей», и была посвящена очень близкой теме. Если кураторский проект WHW задается вопросами деколонизации и говорит на международном языке, то выставка Андрея Мизиано будто отстает на шаг, рассказывая об опыте вхождения в большой мир постсоветских республик. Главная тема проекта касается формы и языка: национальное (часто воспринимаемое другим миром в поле потребления, как определенного рода экзотику) пытается ужиться с глобальным, но стремительно теряет свой смысл. В видео Мусы Грайворонского дагестанцы по очереди фотографируются в бурке из овчины — предмет одежды, некогда имевший набор функций, становится бесполезным сувениром, который воспринимают как экзотику даже те, для кого он является традицией. Примирить два языка пытается и Таус Махачева (видео «Аварка»), и Баби Бадалов в серии графических коллажей. Аслан Гайсумов в своей новой работе «23 февраля/10 мая» метафорически рассказывает о вытеснении национальной травмы (депортация чеченцев) на правительственном уровне. — Елена Ищенко «Необходимость пейзажа», ГЦСИ, до 17 июля Во вторник в Малом зале ГЦСИ, на этаж выше от стратегического проекта молодежной биеннале открылась выставка студентов Школы им. Родченко «Необходимость пейзажа» — совсем не о мечтах, но не без признаков воображаемого. Выставка представляет набор личных подходов к такому явлению как пейзаж. Алиса Бекетова, используя имперсональный метод, раскладывает квадратный километр леса на простейшие составляющие и задается вопросом, что вообще принято рассматривать как пейзаж – видимость или, лучше сказать, вид. Смотрение как главное условие формирования пейзажа подчеркнуто в работе First-person shooter Полины Козловой, где она внедряет в классические живописные пейзажи элемент видеоигр, подчеркивая нарочитую виртуальность реалистических пейзажей классического искусства и их ограниченную статику. Буквально внедряется в пейзаж Евгения Чапайкина в видеодокументации Eat or die, примеривая на себя роль «жителя леса», иронично сливаясь с его видами, предназначенными для любования. Чужую местность пытается занять и Светлана Сергеева: направляясь в Битцевский парк, художница осознает невозможность проигнорировать его мифологию и постичь ландшафт с той же проникновенностью и практической ловкостью, как это проделывал «гений места» – битцевский маньяк, чувствующий себя в этой природной зоне как дома. Проходя по знаковым местам, Сергеева документирует их и раскладывает в шахматном порядке в попытке структурировать «переживания переживания» (свои переживания переживаний маньяка). В тот момент, когда зритель обращается к фотодокументации, возникает три абсолютно разные степени пейзажа – «пейзаж маньяка», «пейзаж художника» и «пейзаж зрителя», тогда как сам пейзаж остается неизменным. Эта зависимость изображения от присутствия зрителя прослеживается в каждом проекте. Пейзаж становится необходимостью не как возможность выбрать и зафиксировать отрезок видимого ландшафта, но как обреченность его многогранного и многозначного присутствия – он всегда есть, стоит только открыть видеоигру, книгу писателя-фантаста или просто глаза на окружающую нас действительность. – Алия Бердигалиева. «Черная зависть», PARAZIT, СПб, галерея «Борей», до 29 июля Выставка Паразитов – в списке must, если вам интересно посмотреть, что представляет из себя молодое петербургское искусство, наряду с «Магнитным полем» в Rizzordi Art Foundation, студиями на проспекте Непокоренных и базой «Север-7». Паразиты – самые молодые, обитают в коридорах «Борея», и, судя по названию выставки, безбожно всем завидуют, прежде всего, старшим маститым художникам. Как и подобает юношеской поре, зависть подкрепляется максимализмом, прямолинейностью, бодрым юмором и небрежностью в обращении с вещами. Так Семен Мотолянец складывает башню из кусков мыла и устанавливает на стул, Объявляя, что место занято; Иван Тузов складывает пиксельный портрет бриллиантового черепа Дэмиена Херста; группа REPA сводит в матиссовском танце священника, чиновника, гастарбайтера, Пусси Райот и Кончиту Вурст. Остроумные выходки соседствуют с робкими экспериментами с материалом, и все это зритель наблюдает в тесных коридорах и типичных питерских пространствах первых этажей жилых домов. Это невольно создает ситуацию подглядывания за частной жизнью, процессом поиска и самоопределения, что не может не увлекать. да и атмосфера здесь напоминает об архивах Пушкинской 10, мекки питерского нонконформизма, выставленных сейчас по соседству, хотя это уже совсем другая история. — Ольга Данилкина «Шуршание ангелов», ВЗ «Ростокино» (Электромузей), до 17 августа «Шуршание ангелов» Петра Жукова не имеет ничего общего с Angelic Conversation Дерека Джармена, но только с тематической точки зрения. В остальном — все то же сочетание тяжести и поэтичности, апокалиптичности и торжественности, окутанное дымом и густым эмбиентом. Художники обнаруживают себя зависающими в пограничном состоянии — между мучительными попытками найти точку опоры и переходом в небытие, которое здесь является синонимом bad trip‘а с театром теней, скоплением черепов и могилоподобным телевизором. На выставке представлены работы порядка 15 авторов, чьи имена связаны со Школой им. Родченко и объединением «Вверх!». Чтобы узнать, о чем «шуршат» эти «ангелы», нужно не полениться и доехать до «Электромузея» на задворках ВДНХ — Анна Комиссарова «The only nice things», Наташа Тарр, Pop/off/art, до 17 августа На своей второй персональной выставке (первая прошла в 2013 году на площадке проекта «СТАРТ») Наташа Тарр показывает восемь широкоформатных полотен с изображениями черно-белых […]

Запись Открытия недели: 7 — 13 июля впервые появилась Aroundart.org.

Критика чистого урбанизма

Анна Комиссарова — Mon, 31 Mar 2014 13:31:23 +0000

В галерее «Кульпроект» проходит выставка «Урбанизм: Pro&Contra». Давний спор, начатый еще в 80-х, становится вновь актуальным в контексте госпроекта расширения Москвы.

Запись Критика чистого урбанизма впервые появилась Aroundart.org.

Фестиваль «Невидимая граница»: взгляд с другого блок-поста

Александр Дашевский — Thu, 11 Jul 2013 08:53:16 +0000

Главной задачей проекта «Невидимая граница» было достижение ясности и понимания традиций внутренних процессов подпольной культуры Петербурга последних двадцати лет. В течении года маргинальные движения структурировались в хронологическом порядке и превращались в проекты. После прочтения статьи на Araundart я как куратор понял, что ясности мы не достигли. Девять выставок, разных по вектору, не стали в сознании московской аудитории стройной системой. Важным стало то, что идея однобокости реперзентации петербургского арт-сообщества разрушилась, выявилась его многогранность, произошла переоценка движений и отдельных художников. Появились новая хронология и история. Процесс формирования этой истории в самом разгаре. Для Москвы петербургское искусство по-прежнему terra incognita, пазл, который еще предстоит собрать. Я попросил петербургского художника и арт-критика Александра Дашевского написать текст, суммирующий произошедшее за год в галерее «Культпроект», о том, какие впечатления сложились у него о проекте «Невидимая граница». Художник и куратор проекта «Невидимая граница» Петр Белый Алексей Ушаков, Ферапонтово, 1989–1994, выставка «Ретромутанты», галерея «Культпроект», 2012 Переучет современного искусства Петербурга Петр Белый проводит не в первый раз. До «Невидимой границы» была галерея «Люда», где в бешеном темпе (открытие каждую неделю) прошли персональные выставки большинства заметных петербургских художников. Нельзя сказать, что усилия направлены на консолидацию, структурирование или пропаганду петербургского искусства. Скорее это инвентаризация и исследование. В этот раз акцент был сделан на причудливых и уникально-петербургских формах культурной активности. Фестиваль «Невидимая граница» выстроен по хронологическому принципу – от рубежа 80-х и 90-х к современности. Речь не идет о каком-то векторе культуры Петербурга или попытке написания новой истории искусства. Презентованные культурные явления слишком разноплановы, и слишком очевиден избирательный принцип куратора. Специально за скобками оставлено все востребованное и институализированное, что было и есть в городе на Неве. «Митьки», «Новая Академия», «Некрореалисты», художники, получившие признание в Петербурге и Москве в первой половине 2000-х, преднамеренно исключены из поля зрения. Особый городской вкус к сладкому изоляционизму, карнавальности, местами к необычайной суровости и строгости, горделивому пестованию своей локальности, к настоящим и выдуманным традициям, – вот что предложено штудировать зрителю. Героизм и убожество как два способа непопадания в формат. Проекты «Шизореволюция», «Ретромутанты», частично «От тупости к паразитизму» и «Navicula Artis» посвящены искусству 90-х годов, подзабытому, странному. Начавшееся как будто внезапно и закончившееся как будто ничем, оно не часто попадало на выставочные площадки в последние десять лет. «Шизореволюция. Архив ПАиБНИ», вид экспозиции, галерея «Культпроект», 2012 Термином «шизореволюция» Андрей Хлобыстин описывает всеобщее коловращение, охватившее СССР-СНГ в 1986–1996 годах. Артефакты, документы и произведения, оставшиеся от героев этого периода собранные в «Архиве ПАиБНИ» (Петербургский Архив и Библиотека Независимого Искусства) презентуют развернутую картину поколения, охваченного священным безумием. Атмосфера галлюцинаторно-броуновского движения детально восстановлена Хлобыстиным. В ней звезды эпохи Новиков, Цой, Гурьянов, Мамышев-Монро на равной ноге соседствуют с сокровенными исчадиями Ленинграда-Петербурга типа Валерия Черкасова. Та же пьянящая нота поведенческой и эстетической вседозволенности звучит в проекте «Ретромутанты» . Тогда, в 90-е художники честно изображали абсурдный и привлекательный калейдоскоп бессвязных образов и идей, которые обуревали пространство бывшего СССР. Большинство героев этой выставки впоследствии влились в рынок современного искусства. И прекрасно чувствуют себя в формате проекта, галерейной выставки, ярмарочного стенда. Но нет-нет да и мелькнет в их современных работах ностальгия по бесшабашной коллажности и беззаконному соединению смыслов. «Новые тупые», долго находившиеся в забвении, и объединение «Паразит», постепенно набирающее известность, объединились в проекте «От тупости к паразитизму». Одно из устойчивых направлений их деятельности – передразнивание и заигрывание с «большими» коммерческими галереями, музеями и их героями. Художники постоянно демонстрируют, как бы выглядело искусство без пафоса и бюджета. Выставка показывала преемственность между практиками девяностых и десятых, живучесть художественного сообщества, развернутого к миру боком, а лицом – к товарищам по эстетике. Перформанс «Новых тупых», Конференция-ужин. Неизбежность шедевра, Ахматовский сад, Сантк-Петербург, 1997 Галерейный долгожитель, подвижный, эстетский и концептуальный, «Navicula Artis» стал героем следующей выставки фестиваля. За двадцать один год существования галерея накопила не только внушительный архив, сделала первые выставки многих художников, чьи имена сейчас на слуху, но и разработала знаменитый формат «поездок-прогулок», беззаботного времяпрепровождения на открытом воздухе, фланирования, осмотра достопримечательностей и изучения окрестностей. «Негатив» рассказывал о петербургской фотографии от советского периода до наших дней. Помимо известных имен и пронизанных атмосферой своего времени произведений, экспозиция подспудно презентовала историю отношений Петербурга и технологического бума в фотографии. Точнее, последовательного игнорирования и недоверия к новым возможностям-соблазнам. Ирина Васильева, Рыба, 2008, выставка «Kinder, küche, kirche», галерея «Культпроект», 2013 Сафари в область женского творчества, не задетого соблазном феминистской прописки в современном искусстве, стала выставка «Kinder, küche, kirche». Одиннадцать живописцев показали женскую реакцию на угрозы современного мира. Разнобой противоречивых современных художественных практик был представлен в проектах «3Х2» и «Здесь художник один я». Даже хищные одиночки арт-карьеристы второй половины двухтысячных вынужденно образовали в Петербурге, если не братство, то хотя бы некоторый кооператив взаимопомощи. Последняя выставка фестиваля «Новые основания. От концептуализма к минимализму» – скорее пожелание всей российской арт-сцене и предложение альтернативного пути. Надежда на форму, чувственное восприятие, на искусство, как на эмоциональную, а не вербальную деятельность никогда не умирала в городе на Неве. Кирилл Хрусталев, Вершина на закате. Работа была показана в рамках выставки «Navicula Artis» в галерее «Культпроект», 2013 Петр Белый каталогизирует накопленный за двадцать лет в Петербурге опыт искусства. Вне медийной шумихи, надежд на ценовые рекорды и прочих сверкающих атрибутов успеха. Художник, автономный и самоотверженный, влюбленный в собственное дело и пестующий свои странности, равнодушный к социальной адаптации, публичному признанию, – вот главный герой фестиваля. Этот, с первого взгляда невзрачный, ревностно охраняющий свое внутреннее пространство тип, на новом этапе оказывается соблазнительным в своей независимости и востребованным в своей оригинальности. Его искусство, местами дурашливое, но всегда искреннее, было сегрегированно адептами отечественного художественного рынка в конце 90-х — начале 2000-х. Сейчас, когда современное искусство в России вошло в фазу стагнации, рынок – в коме, а финансовые потоки стали прерывистыми и извилистыми, «Невидимая граница» выглядит попыткой предъявить альтернативные самодостаточные формы существования. Материал подготовил Александр Дашевский Фотографии предоставлены галереей «Культпроект»

Запись Фестиваль «Невидимая граница»: взгляд с другого блок-поста впервые появилась Aroundart.org.

Петербургское искусство: от тупости к минимализму

Елена Ищенко — Wed, 26 Jun 2013 09:13:49 +0000

Через несколько дней в галерее «Культпроект» закроется выставка «Новые основания — от концептуализма к минимализму», последняя в рамках масштабного сезона петербургского искусства в Москве под названием «Невидимая граница». Всего девять выставок, охватывающих период с конца 90-х до современности, должны были представить полную картину питерской арт-сцены. Отсюда, из Москвы, кажется, что куратору проекта Петру Белому и его помощникам (у каждой выставки были свои кураторы) удалось рассказать о современном питерском искусстве все. Или почти все. Причем, удачно избежав тирад в адрес Тимура Новикова, фигура которого способна затмить все остальное. Что, собственно, и произошло с петербургским искусством: Новикова дружно называют «последним выдающимся художником Петербурга», не замечая никого другого. Правда, возведение «невидимой границы» — дело рук самих петербуржцев. Андрей Хлобыстин, художник и куратор первой выставки сезона «Шизореволюция», в интервью AroundArt говорил о «чердаках и подвалах» как свойстве петербургского искусства. Но заключительные выставки в «Культпроекте» говорят как раз об обратном: молодые художники разрушают «невидимую границу», предъявляя свое искусство Москве и миру (последнему — даже чаще), теряя при этом какую-то особую питерскую витальность и нонконформизм, за которую это искусство так ценили, в том числе и в Москве, и в чем Тимур Новиков сближается с «Митьками». При этом современное петербургское искусство многообразно и плодовито, так что привести все выставки, прошедшие в «Культпроекте», к общему знаменателю, не получится. Зато можно проследить, как это искусство развивается и откуда самые молодые художники черпают вдохновение и идеи. Собственно, поэтому кураторам и понадобился небольшой ретроспективный взгляд в 80–90-е, к тяжеловесам типа того же Тимура Новикова (единственное упоминание — в рамках первой выставки «ШИЗОРЕВОЛЮЦИЯ, Архив ПАиБНИ»), Виктора Цоя, Олега Григорьева, Вадима Панова или Товарищества «Новые тупые». Выставка «От тупости к паразитизму», вид экспозиции, галерея Культпроект, Москва, 2012 «Я хотел бы показать, как небольшая группа людей, просто занимаясь собой, произвела такое впечатление на молодежь страны, что жить по-другому стало невозможно», — говорил Андрей Хлобыстин, основатель Архива ПАиБНИ, для которого он тщательно собирал вещной мир героев «шизореволюции», культурного переворота, произошедшего в 80-е. На первой выставке в «Культпроекте» показывали трусы Свина, лидера первой советской панк-группы «Автоматические удовлетворители», пальто Георгия Гурьянова, художника и участника группы «Кино», знаменитый цилиндр Тимура Новикова и множество фотографий, запечатлевших каждодневную жизнь этих героев. Эта вещная среда — неотъемлемая часть того художественного дискурса, который создавался не столько произведениями вышеупомянутых художников, сколько их образом жизни. Такой подход породил своеобразный «петербургский акционизм» — перформативную среду, в которой любой жест художника воспринимался как акт искусства. Эту линию продолжили члены арт-группировки «Новые тупые», которым была посвящена вторая выставка «Невидимой границы» «От тупости к паразитизму». Художники из «Новых тупых» (Вадим Флягин, Сергей Спирихин, Игорь Панин, Владимир Козин, Александр Ляшко) делали перформансы — безумные, абсурдные и отчаянные, типа «Ваньки-встаньки» (1993), когда Вадим Флягин методично пытался улечься и прикорнуть на пяти стульях, которые регулярно под ним разъезжались и роняли художника на пол. Их брутальный экспрессионизм противостоял «Новой академии», с ее успешностью и рафинированностью, которую Тимур Новиков сумел выдать за чистый образ Петербурга. Уже в этой выставке был намечен мостик к современности — из «Новых тупых» выросла галерея Parazit (потому что паразитируется на других культурных институциях). Из Parazit’а, который многие молодые художники используют как стартовую площадку, уже вышли группы «Протез» и «Мыло». Эта своеобразная школа старательно охраняет свой маргинализм и учит относиться к искусству легко и с юмором. «Эзистенциальный трэш» Гриши Ющенко из «Протеза», бредовые перформансы, «мыльные» коллажи и портреты «великих русских» поэтов и писателей Сергея Мотолянца и Дмитрия Петухова из «Мыла», — это молодое искусство продолжает нонконформисткую, хулиганскую линию 80–90-х. Они мало заботятся о мировом контексте, о стандартах и правилах, об успехе и прибыли, и поэтому выдают очень «питерское» искусство, наполненное живой энергией. Их паразитизм проявляется не только в «присасывании» к другим культурным институциям, он распространяется шире, и речь здесь идет о своеобразном паразитировании на хламе, на остатках жизнедеятельности. Большинство своих произведений «паразитовцы» делают из всякой дряни — мыла, старых шин, разбитых или целых бутылок из-под пива. (эта линия особенно четко проявилась на недавней выставке петербургского искусства в «Культурном альянсе» Марата Гельмана). По сути, это искусство, которое возводит бедность, отсутствие денег (хотя бы на материалы; их произведения недорогие), в художественный принцип и реже — в принцип жизни. (Здесь можно вспомнить еще об одной питерской арт-группе — о «Войне»). Выставка «3х2», вид экспозиции; работы Татьяны Ахметгалиевой, Вероники Рудьевой-Рязанцевой, Антона Хлабова, Максима Свищева; галерея Культпроект, Москва, 2013 Но уже на третьей выставке «3х2» стало понятно, что такое следование локальной традиции для современных петербургских художников скорее исключение, чем правило. Молодые ищут другие пути, и находят их чаще всего в традиции западного искусства. «Молодежь здесь изучает московское искусство, американское искусство. Призывают варягов объяснять, что такое искусство. Наши арт-бюрократы, музейщики считают, что здесь ничего своего не было и не будет, поскольку нет рынка, а в иных формах искусство якобы существовать не может, хотя все ровным счетом наоборот», — так резко высказался об этом явлении Андрей Хлобыстин, приверженец той самой локальной традиции. С ним можно поспорить, в частности, об этом «наоборот» — молодое искусство, как показывает современный опыт, прекрасно существует в рамках рынка и вне локального дискурса. Взять хотя бы двух художниц, видеоработы которых были показаны в «Культпроекте» — Татьяну Ахметгалиеву и Веронику Рудьеву-Рязанцеву. Обе известны в Москве (в Петербурге, возможно, даже меньше), обе встроены в систему арт-рынка, обе продаются (на недавнем аукционе Vladey работу Ахметгалиевой «Море дождей» (из серии «Моя комната») продали за 7 тыс. евро), обе участвуют в выставках, в том числе и в музейных. В их работах практически ничего не говорит ни об их малой родине, ни о большой — они интернациональны. У них нет той иронии и самоиронии, которые есть и у «паразитовцев», и у «Новых тупых», и даже у «Новой академии». Здесь все серьезно и по правилам: молодые художники (особенно те, кто занимается видеоартом) ищут для своей работы какой-то канон, какие-то критерии оценки, и находят их не в родной питерской традиции, а в западной. Их работы напоминают то о Нам Джун Пайке, то о Яне Брейквелле, то об Анне Ермолаевой. Возможно, причина кроется в том, что почти все художники (четыре из пяти, представленных на выставке «3х2»: Татьяна Ахметгалиева, Вероника Рудьева-Рязанцева, Юлия Застава и Антон Хлабов) изучали искусство новых медиа в институте «ПРО АРТЕ», основанном некогда двумя фондами — Сороса и Форда, где всегда ставился упор на изучение западного искусства. Возможно, дело в молодости: в культуре MTV и в отрыве от тех […]

Запись Петербургское искусство: от тупости к минимализму впервые появилась Aroundart.org.

Симбиоз Art Space Event

Ольга Данилкина — Wed, 29 May 2013 09:18:11 +0000

«Загнивают международные ярмарки, галерея как форма отпадает», — заключила не так давно Елена Селина, основатель галереи XL и XL Projects, в интервью Aroundart. В минувшие выходные в большом выставочном зале московского Artplay прошло мероприятие под названием Art Space Event: семнадцать галерей из Москвы и Петербурга, скромные, по комментариям участников, продажи, но на удивление дружелюбная атмосфера. Заявленное как «событие нового формата», оно на первый взгляд казалось ярмаркой, но организаторы настаивали на том, чтобы это слово к ним не применялось. О том, как родился Art Space Event, почему это не ярмарка и актуально ли еще понятие «художники галереи» Aroundart поговорил с двумя участниками инициативной группы мероприятия — основателями галереи «Культпроект» Юлией Манусевич и Ириной Солнцевой. А кроме того — попросил рассказать о впечатлениях самих участников. Ольга Данилкина: Как и у кого родилась идея этой ярмарки? Юлия Манусевич: Я бы не хотела употреблять слово «ярмарка». Когда мы затевали это мероприятие, мы встретились с Катей Ираги (галерея Iragui) и она сказала довольно красивую фразу: «В Москве очень мало ивэнтов», то есть, событий. Событие — это очень привлекательно. Мы стали обсуждать, что же это за формат ивэнта, и у нас сразу возникали эти слова. Сначала art как «искусство», потом мы поняли, что без пространства (space) ничего невозможно. Любую выставку в нашей галерее мы пытаемся выстроить экспозиционно, это важно для нас по многим причинам, в том числе, потому что я по профессии архитектор, хорошо понимаю именно пространственное искусство. Возник симбиоз — art space event, на слух нам показалось очень гармонично. Слово «ярмарка» не прозвучало ни разу. Для нас это мероприятие — способ реализовать в новом пространстве наши представления о том, как можно галереям вместе собраться, выступить на равных условиях, продемонстрировать не только любовь к искусству, но и хорошие межличностные отношения. Ирина Солнцева: Именно плохо налаженная на данный момент коммуникация между галереями стала одним из поводов для мероприятия. Мы хотим, чтобы эти отношения стали более открытыми. ЮМ: Все силы мы вкладывали именно в осуществление этого идеала, пусть и такого крошечного: три дня и одна площадка. Площадка, кстати, сложная для того, чтобы всех равно представить, но именно это и помогло сразу определиться с идеей — сделать общий проект. Было много технических сложностей с монтажом, на который не хватало времени, нельзя было строить больших конструкций. Возможно, эти ограничения наоборот способствовали большему развитию творческой мысли. Мы решили сделать единый проект, выставку в форме тотальной инсталляции. Я позвонила своему однокурснику Василию Щетинину, который долгие годы работал на фестивале «Архстояние», и он тут же загорелся этой идеей, подхватил наши наработки и дальше их развил. В центре зала мы даже повесили его кинетический мобиль из коллекции Московского музея современного искусства. ИС: Его конструкция напоминает крылья, которые захватывают пространство. ЮМ: Нам не хотелось разделять всех участников по коморкам, поэтому получилась концентрическая структура висящих баннеров. В центре для каждой галереи отвели светящийся призматический модуль, на который можно положить свои материалы. Идея состояла в том, что всем можно находиться в этой центральной части, всем вместе. Это довольно сложная конструкция для монтажа произведений искусства: нельзя повесить тяжелые вещи, мало опорных точек на полу. Но в результате должно создаваться впечатление парящей в воздухе конструкции, ощущение воздуха, легкости, дыхания. Чтобы всем было удобно, у всех общие развесчики, общие этикетки для целостного вида. Подготовили буклет, запустили временный сайт. Для нас это эксперимент, но в то же время я чувствую колоссальную ответственность. ОД: Как шла коммуникация с другими галереями? Как удалось всех совместить в одном пространстве? ЮМ: Задумка была сделать дружественное мероприятие. Мы сами думали, кого можем позвать, звали, почти все соглашались — отказал только один человек в силу общей загруженности галереи на тот момент. Потом кто-то узнавал от уже приглашенных, звонил нам. Вначале нам даже пришлось отказывать, потому что пространство небольшое, не все могли поместиться. ИС: Было несколько предварительных встреч, на которых сначала присутствовали только представители галерей, а потом и руководители. Когда все собрались, оказалось, что галеристы все-таки готовы к диалогу. Ситуация в этом городе меняется и люди готовы открываться, общаться, выстраивать отношения. Будем надеяться, что это не последний раз, а только пилотный проект. ЮМ: Задача в том, чтобы эта открытая система провоцировала каждого галериста не только концентрироваться на своей галерее, но и показывать гостям всю экспозицию и представленный в ней срез современного искусства. Это важная задача популяризации отечественного искусства в глазах наших гостей. Это уже не позиция галереи «Я выставляю все самое лучшее», а демонстрация еще и того культурного контекста, в котором галерея представляется. Мы все находимся в едином поле и не надо размежевываться, каждый может показать экспозицию другой галереи, я с удовольствием буду показывать нашим гостям все то, что, на мой взгляд, интересно, важно и ценно. ИС: Люди все выступали на равных, даже места мы распределяли по жребию. Некоторые галеристы настояли, чтобы цены были у всех написаны на этикетках. Все прозрачно, никаких подводных камней. ОД: Уже почти год идут разговоры о том, что галереям нужно создать свое профессиональное объединение. Ваш проект как-то связан с этой инициативой? ИС: Нет, это произошло параллельно. Видимо, сейчас в галерейной среде появилось общее направление, схожий ход мысли у людей, поэтому происходят такие пересечения. Думаю, что это должно вырасти во что-то мощное. Хватит разъединяться, давайте объединяться! ОД: Кстати, об объединении: в списке участников есть галереи, чей состав художников пересекается. Как они разбирались с этим? ИС: Сейчас, как нам кажется, один художник не может принадлежать одной галерее, поэтому мы и пропагандируем в рамках мероприятия политику открытых цен, коммуникаций. Нам кажется, что у галереи могут быть свои индивидуальные проекты, но художники в них вполне могут пересекаться. ЮМ: Я думаю, что это дискуссионный вопрос, и далеко не все придерживаются наших взглядов. Наша персональная позиция такова: если у галереи нет официального контракта с художником и она не поддерживает его на протяжении всей жизни, а делает это периодически, то довольно странно с ее стороны претендовать на все творчество автора. Для нас это неприемлемо, у нас нет «художников галереи», у нас есть свой круг художников, с которыми мы работаем, и он то расширяется, то сужается в зависимости от проекта. Если мы замкнемся на понятии «художники галереи», мы не будем сами развиваться — нам это неинтересно. Нам интересно создавать новые продукты, новые проекты, новые трактовки. Уже на следующий год мы спланировали три проекта, которые объединяют огромное количество людей. Хотелось бы, […]

Запись Симбиоз Art Space Event впервые появилась Aroundart.org.

Непитерский видеоарт

Елена Ищенко — Mon, 19 Nov 2012 11:33:53 +0000

Максим Свищев, Карусель 8 ноября в галерее «Культпроект» открылась выставка «3х2» — третья по счету в рамках сезона петербургского искусства в Москве «Невидимая граница». Новая часть посвящена видеоарту — самому молодому направлению современного питерского искусства.Куратор всей программы питерского искусства Петр Белый уже сказал в интервью Aroundart, что у нас в России последняя богема — это поколение сорокалетних, а все молодые — сплошь прагматики. Две последние выставки в рамках «Невидимой границы» — лучшее тому подтверждение. Предыдущая, «От тупости к паразитизму», была посвящена брутальному экспрессионизму движения «Новые тупые» и их товарищам по «Центру тяжелого искусства» — художникам, которые свои основные акции сделали в 80–90-е, движимые любовью к народной экспрессии. Тогда на открытии царил дух безудержного веселья и разнузданности: выпившие художники, которым уже давно перевалило за 40, рассказывали зрителям о своих работах, и чуть ли не повторили парочку своих сумасшедших акций. Атмосфера на открытии «3х2» была противоположной: пробежав глазами видеоработы самого молодого поколения питерских художников, зрители разбивались по группкам и говорили, говорили. Даже вино осталось почти нетронутым. Вот они — 20-летние прагматики, слишком серьезные, чтобы стать богемой. Вероника Рудьева-Рязанцева, Маски Конечно, «Новые тупые» прославились акциями и перформансами, что само по себе предполагает прямое действие. А здесь — видеоарт, искусство созерцательное, вдумчивое, исследовательское, оперирующее не к действию, а к мысли и внимательности. Но что ни говори, а на выставке «От тупости к паразитизму» изо всех углов кричало «питерское» — ироничное и самоироничное, наивное и брутальное, выбивающееся из колеи, плюющее на все каноны и стандарты, — нонконформистское. Молодые художники, наоборот, изо всех сил пытаются нащупать какой-нибудь канон, стандарт, которому бы можно было следовать, и находят его не в петербургском искусстве, а в западном.Хотя традиции видеоарта можно найти и на родной земле, и самое больше достижение питерского видеоискусства — это «Пиратское телевидение», в начале 90-х основанное Юрисом Лесником, Тимуром Новиковым и Владиславом Мамышевым-Монро. Была и целая плеяда выходцев из параллельного кинематогарафа: Иветта Померанцева, Константин Митенев, Игорь Безруков. Но новое поколение питерских видеоартистов упорно тянется к стилистике то Нам Джун Пайка, то Яна Брейквелла, то Анны Ермолаевой. Последняя хоть и родилась в Петербурге и раз в пятилетку приезжает поснимать в питерской подземке, но выучилась, сформировалась и прославилась именно в Европе.Антон Хлабов, РезонансВозможно, причина кроется в том, что почти все художники (четыре из пяти, представленных на выставке: Татьяна Ахметгалиева, Вероника Рудьева-Рязанцева, Юлия Застава и Антон Хлабов) изучали искусство новых медиа в институте «ПРО АРТЕ», основанном некогда двумя фондами — Сороса и Форда, где всегда ставился упор на изучение западного. Возможно, в том, что это поколение выросло на MTV и клиповой культуре. Возможно, дело в самой молодости: Веронике Рудьевой-Рязанцевой, самому старшему художнику и куратору выставки, 31 год. Во время Перестройки они были очень молоды и не могли осознать крушения СССР, а значит, они не несут на себе ту мощную социальную рану, которая так или иначе считывается у всех, кому за 40. Искусство молодых интернационально: приемы и методы, которые они используют, темы, которые они затрагивают, уже не имеют географической привязки. (Другой тому пример — выставка молодого китайского искусства, проходящая сейчас в ММСИ на Петровке). Татьяна Ахметгалива мастерит масштабные инсталляции из телевизоров. Каждый из экранов в видеоинсталляции «Фон» показывает интерьер обычных гостиных, в центре каждой — телевизор. Зритель оказывается в роли телезрителя. Но до Ахметгаливевой об этом говорил еще и Ян Брейквелл, видеоинсталляции которого «ПРО АРТЕ» привез в Петербург к своему 10-летнему юбилею. Юлия Застава исследует тему искажений и деформаций. Ее работа «Triangles are my shape», представленная на вставке, демонстрирует переходное состояние формы, доказывая, что форма — это всего лишь угол зрения. Видео Заставы отлично смотрелись бы по соседству с работами видеохудожницы Анны Ермолаевой, которая, в принципе, говорит о том же самом — опроцессе деформации. Работа Максима Свищева «Карусель» под песню-манифест Джонна Леннона «Imagine» больше всего походит на клип: из-за музыки, все происходящее на экране (лошадки на карусели, всадники), воспринимается как олицетворенная утопия Леннона. В своей двухэкранной инсталляции «Резонанс» Антон Хлабов противопоставляет колебательные движения светильников и анимацию, изображающую что-то типа маятника Ньютона из нарисованных человечков. Становясь между двумя экранами, зритель оказывается частью этой цепи. Татьяна Ахметгалиева, Фон Единственным исключением из этой серии «интернациональных» работ выглядит видеоинсталляция Вероники Рудьевой-Рязанцевой, которая, в отличие от своих коллег, все-таки работает с постсоветским пространством. «Маски» — это веселое видео, показывающее гастрономическую вечеринку (или пир на обломках СССР): люди в масках Маргарет Тэтчер, Михаила Горбачова, Рональда Рейгана и других политиков (на деле, питерская арт-тусовка) поедают ностальгическую «селедку под шубой» и бутербродики с красной икрой. Все это под музыку питерской группы «Нож для фрау Мюллер». Видео Рудьевой-Рязанцевой выбивается из холодного, гладкого строя вставки, возможно, даже не вписывается в контекст развития современного искусства, но это именно то, чего ждешь от питерского искусства, живущего и развивающегося где-то в закрытых полуподвалах, мастерских или не менее закрытых академиях, сознательно выстраивающего границу между собой и Москвой, собой и всем остальным миром. Ждешь наивности, брутальности, нонконформизма. Но, видимо, у нового поколения свои идеалы, и главный из них – стать органичной частью глобализованного мира. Хотя глобализация часто оказывается сильнее личной воли художника. Так что, ленноновское «and the world will live as one» грозит осуществиться, пусть и в молодом искусстве. Фотографии: Сергей Ветров

Запись Непитерский видеоарт впервые появилась Aroundart.org.

За невидимую границу

Сергей Гуськов — Mon, 03 Sep 2012 07:10:43 +0000

В течение нескольких месяцев, начиная с 13 сентября, в небольшой московской галерее «Культпроект» можно будет увидеть серию выставок «Невидимая граница. Сезон петербургского искусства в Москве». Куратор всего проекта Петр Белый и его сокуратор по первой части выставочной программы Андрей Хлобыстин рассказали Aroundart о петербургском искусстве, внутренней потребности общественной деятельности, повседневном художественном проживании и заботе о себе. Игорь Панин, Товарищество «Новые тупые» фото: Александр Ляшко Сергей Гуськов: Как родилась идея сделать серию выставок петербургских художников в Москве? Петр Белый: Сначала появилась мысль, мною высказанная, что в Москве о петербургской культуре не знают ничего. Эта мысль была переварена двумя кураторами и владелицами галереи «Культпроект», Ириной Солнцевой и Юлией Манусевич, и, спустя год, они обратились ко мне с предложением организовать годичную программу петербургской культуры. Так появилась «Невидимая граница» — сезон Петербурга в Москве. О петербургском, ленинградском искусстве ходят мифы, легенды, а информацию о реальной ситуации нигде не почерпнуть. Нет никакого объединяющего издания или какой-то систематизации. Первая попытка сделана относительно недавно журналом «Артхроника», где была опубликована карта петербургского искусства, обозначены связи и даны звания (1, 2, 3). Схема получилась достаточно объективная, но она показывает, скорее, современную ситуацию, а многие мотивы, откуда что происходит, остались не разъясненными. Поэтому был выдуман долговременный проект, на десять месяцев, то есть на весь следующий сезон. Фестиваль носит полуобразовательный характер, предназначен для тех, кто всерьез интересуется темой, и призван более глубоко раскрыть эти сюжеты, разъяснить ситуацию, отчасти историческую, отчасти современную. Ведь когда говорят о Петербурге, вспоминают вначале русский авангард, Малевича, потом провал, далее — 1970-е, газаневщина, потом снова провал, а следом идет авторитет Тимура Новикова — человека, посвятившего много времени промоушену своего имени. Он хоть как-то конвертируется внутри русской ситуации. Больше о Петербурге не знают ничего. Поэтому мне кажется, что выставки петербургского искусства очень важны и полезны для Москвы, которая замкнута на своей орбите, сама себя поедает. Есть такая общая русская тенденция самоедства. Ведь говорить по большому счету о Петербурге или Москве как об интернациональных художественных центрах пока рановато, а вот внутренняя культура у разных регионов может быть крайне интересной и глубокой. В течение сезона будут печататься каталоги — маленькие ежемесячные журнальчики, рассказывающие о текущей выставке. И я очень рассчитываю на выход книги в конце программы. Это будет достаточно увесистое издание, которое поможет даже тем, кто не посещал экспозицию, прояснить для себя петербургскую ситуацию. Для каждого проекта, чтобы была определенная объективность, буду привлекать сокуратора, специалиста по узкой теме. Скажем, к первой выставке «Шизореволюция. Архив ПАиБНИ» я привлек Андрея Хлобыстина. Первый проект как бы мостик от известного москвичам к неизвестному. Андрей Хлобыстин знает много об этой среде, и сам часть ее. Есть и другие специалисты: Катя Андреева, Аркадий Ипполитов — люди, принадлежавшие к этой тусовке, но мне больше всего близок и понятен архивный подход Хлобыстина. Мое личное отношение к тому поколению перестроечных художников-рейверов всегда было негативным, но сейчас я начал испытывать к ним нежные чувства, хотя половины из них и в живых уж нет. Я вдруг понял, что это были последние представители богемы, последняя вспышка стиля, художественного поведения, отчасти суицидального, но очень красивого. Сейчас вообще возникает вопрос: почему у нас сорокалетняя богема, типа Пепперштейна, и двадцатилетние прагматики — как так может быть, вроде по возрасту все должно быть наоборот! Кирилл Хрусталев, Вершина на закате СГ: Молодых прагматиков вы тоже будете выставлять? ПБ: Конечно. Я сам отчасти прагматик. И не вижу никакого конфликта в такой ситуации, потому что прагматизм означает, в сущности, возможность принять оптимальное решение. Творчество все равно остается загадкой, и этот момент чуда необъясним, и объясним быть не может, однако, технические решения, сопровождающие каждое произведение искусства, требуют известного прагматизма: вы идете кратчайшим, рациональным путем для достижения нужного эффекта. СГ: Из ваших слов следует, что питерское искусство — во многом закрытая для московских зрителей история. При этом вы выбираете для фестиваля площадку, которая тоже мало известна столичной аудитории. Место выбрано не по этой причине, но все же получается, что имеется некое совпадение в «закрытости». Как это будет работать? ПБ: Дело в том, что фестиваль является полностью личной инициативой. Проект совершенно некоммерческий. Он существует не на государственном уровне, а на частном. Просто люди взяли и, используя свои возможности, организовали фестиваль. Конечно, наш проект несравним с любым большим фестивалем, поэтому мы предпочитаем называть его иначе — выставочная программа «Сезоны петербургского искусства в Москве». В целом, наш проект рассчитан на достаточно узкую аудиторию, потому что, если бы это было американское искусство, то, понятно, оно бы привлекло широкую зрительскую аудиторию. А здесь понятно, что это не то событие, которое поставит все с ног на голову. Скорее, речь идет о камерной истории, которая призвана создать некий культурный резонанс. Возможно, этот выставочный блок будет позже повторен в другом месте или продолжен каким-нибудь иным способом. Повторюсь, это частная инициатива со всех сторон. С моей стороны в особенности, потому что я душой болею за Петербург, и мне обидно, что некоторые явления остались в тиши просто в силу скромности создателей. Например, «Новые тупые» или деятельность галереи «Навикула Артис». У нас вообще очень сильно развита культура чердаков и подвалов, и арт-сообщество очень закрыто. Неоднократно были попытки вторжения, Гельман приезжал, но все они заканчивались крахом именно в силу самой атмосферы инертности и неприятия чужаков. Но, тем не менее, есть много всяких интереснейших явлений. СГ: По каким критериям отбирались художники для этой серии выставок? ПБ: Мы показываем малую часть художественной жизни. В Петербурге огромное количество художников, но большинство из них — представители традиционных жанров, типа, городских акварелей, церквей с небесами, респектабельного нонкомформизма и проч. Мы же говорим об относительно прогрессивном искусстве, об эстетствующих люмпенах, которые не попадают в общегородской мейнстрим, совершенно ужасный (он и в Москве такой). Печальная ситуация с союзами художников везде одинакова: они продолжают выпускать свой тяжеловесный товар, который, видимо, находит своего потребителя, но тут разговор о другом. Речь пойдет о живых тенденциях и движениях, происходящих в городе. Константин Симун, Хлеб — Дорога Жизни СГ: Вы уже делали похожий проект — «Люда Express» в «Новой Голландии»… ПБ: Не совсем так. В «Новой Голландии» был сделан 15-дневный выставочный блок «Люда-Экспресс», состоящий последовательно из шести персональных экспозиций. Идея проекта была основана на годичном существовании галереи «Люда» (2009), где прошло 52 выставки. Оба проекта были рассчитаны в основном на местную, информированную аудиторию. Там был отчасти другой принцип — самоидентификация петербургского искусства. Московский фестиваль «Невидимая граница» обращен скорее […]

Запись За невидимую границу впервые появилась Aroundart.org.